关于音阶和琵音练习在钢琴教学中的重要性论文（通用14篇）大全
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以下是小编帮大家整理的音阶和琵音练习在钢琴教学中的重要性论文，本文共14篇，仅供参考，希望能够帮助到大家。
篇1：音阶和琵音练习在钢琴教学中的重要性论文
音阶和琵音练习在钢琴教学中的重要性论文
摘要：音阶和琵音练习属于技术类型的训练，在钢琴教学训练中占着重要的地位和作用。学生要想打下良好的基本功，就必须通过大量的音阶、琶音练习。该文主要论述了音阶和琵音练习在钢琴教学中的作用和意义。
关键词：音阶；琶音练习；钢琴教学
所谓音阶，就是将音乐中所使用的乐音按音高的顺序依此排列起来，形成阶梯状的序列。所谓琶音，就是将同时发音的和弦各音按从低到高或从高到低的顺序依此奏出而不是同时奏出的音。
在钢琴教学中音阶、琶音属七和减七和弦双八度以及双三度等这些基础训练处于十分重要的地位。许多曲子都是巧妙地运用了各种音阶琶音和弦和分解和弦（包括它们的种种变体）作为表现音乐的手段。例如，尔尼740练习中的第一条就是各种音阶组成的，第二条则是由各类琶音组成的。音阶和琶音等基本功训练不可取代的作用还可以从以下事实中得到印证。拉萨列夫是俄国著名钢琴家，他常常告诫他的学生，每天应该练一小时左右的音阶、琶音。鲁道夫塞金也十分重视音阶、琶音等技术训练，他认为没有技巧，即没有音乐。巴克豪斯也强调音阶、琶音的练习，他每天都练半小时以上的音阶、琶音而且都加上表情。钢琴大师们尚且如此,可见一个学生在他学习技术的七、八年里，音阶、琶音是非常重要的学习内容。
教学实践也证明，虽然音阶琶音弹起来和教起来都枯燥乏味，不易有“立竿见影”的教学效果，但是由于钢琴演奏技艺性很强，在学习过程中需要进行大量的、长期的音阶和琶音训练。如果一个学琴者缺乏这种扎实的训练的话，当他开始跨入中级程度后不久就会遇到困难，使他无法再取得更大的进步。
由此可见，要想弹好乐曲的前提是先打好基础，把音阶琶音等基本功练好。那么用什么样的练习方法才能做到事半功倍的效果呢？下面我们从两个方面谈一下音阶、琶音在这方面的重要性。
1、音阶作为基本功的重要性
人的十个手指天生能力不一样，而音阶练习要求每个音的力度要均匀一致，练习音阶能够使手指得到平衡发展，并提高控制手指、运用手指的能力，还可以帮助学生熟悉键盘的位置。
全部的音阶，是由24个大小调式组成的。我们接触最多的欧洲钢琴音乐，几乎全部属于这些调式。熟悉了音阶，也就熟悉了这些调式、调性。而在乐曲中，常有音阶和音阶式的进行，往往这也正是技术难点。平时练习音阶，就为克服乐曲中的难点事先做好了准备。相反，没有音阶练习的基础，一旦在乐曲中遇到音阶临时练习，就要延误正常的学习进度了。表面上，音阶的音符是按顺序排列的，认起来并不难。但实际上，把音阶弹奏得较快而又均匀是很难的。我们必须每天认真地练习并长期坚持才能弹好音阶。
那么，要用什么样的速度和力度练习音阶呢？要将音阶弹得速度快而又力度强，不是短时期练习所能达到的。对于初学者，尤其是小孩，在速度力度的要求上，应有一个由易到难，循序渐进的过程。在开始阶段，应该慢而又弱，要求在最自然、最省力、腕和指最协调的状态下弹出最均匀的音阶。然后依次过渡到比较快比较强。在经过长期的慢练达到快而又强时，本质上应当依然是自然、省力、协调的状态和感觉。
2、琶音作为基本功的重要性
钢琴音乐是一种和声音乐，和声的基础是和弦的连续，琶音又是和弦的一种形式。因此，琶音在钢琴音乐中占有十分重要的地位。在欧洲古典音乐中，琶音或琶音类的进行相当普遍。弹好了琶音，也就是弹好了许多钢琴曲的片断。
由于琶音是和弦的'一种形式，练习琶音的过程也就是熟悉各个调性、调式的各种和弦的位置、和弦的不同色彩的过程。弹琶音时，由于手位迅速转移，其难度比弹音阶要大。其中，关键又在于手腕灵活的协调配合。所以，琶音练习可以帮助获得良好的感觉和状态。弹好琶音，也离不开手指的积极主动。而且，手指是在比弹音阶时更大的范围里运动，必然对手指能力提出更高的要求。所以弹琶音，也就是训练手指的灵敏和活力。在速度方面也可以和弹音阶一样，先慢后快。相比而言，练习琶音的速度可略慢于音阶。但最终掌握技术之后，并不存在于两者之间的差别。琶音所能达到的速度并不低于音阶。由于琶音的音和音之间的距离较宽，在慢速练习中比音阶更容易显得孤立，所以尤其要强调动作、线条、观念意识上的整体感和连贯感。
综上所述，音阶、琶音的弹奏水平是学生技术水平的标志之一。所以各种“考级”都把音阶、琶音作为基本考试内容之一。它是钢琴技术最基本的两种技术。可以说不论演奏哪种风格、哪个时代的作品，都离不开大量的音阶和琶音。可见音阶、琶音在钢琴教学中是多么的重要。
3、音阶、琶音在技术训练中的重要作用
3.1弹好一首乐曲还要有很好的技巧训练。技巧训练从本质上讲就是提高手和手指的机能，同时让大脑能加以完善的控制。也就是所说的基本功的训练。这只有通过练习的量的积累才能达到。当掌握了合理的弹奏手法以后，练习的量就是决定因素。集中的、大量的手指技术训练，在一定阶段上能使学生的手指功能在短时间内实现质的飞跃。总的来说，在这方面，音阶、琶音练习比练习曲或乐曲更需要大量的练习。只要连续弹上十几分钟的音阶、琶音，手掌就会有隐约发酸的感觉，如果连续弹上半小时到一小时，手指的活动量就相当可观了。这就是练习音阶、琶音的一个很重要的作用。
3.2还有些特定的技术要求。要想把这些特定的技术弹好，就必须让手得到很好的训练，就必须通过大量的练习才能达到。而在弹奏音阶、琶音的练习时才能得到集中的、大量的训练，才能达到训练目的。一个学琴者要想把音阶、琶音都弹好，不花费很大的功夫是办不到的。
3.3练习音阶、琶音最好每一遍都能弹得持久一些，使手能够得到充分的连续活动。车尔尼通过他的练习曲集作品337和作品365阐明了这一点。他要求弹奏每一小段都要反复弹十几遍，使手得到大量的练习。前辈们的经验告诉我们，学生通过大量的练习音阶、琶音，能在很少的几个月里达到纯熟的程度，而用通常的办法练习，只有通过几年辛勤刻苦的练习才能取得一定的成绩。
3.4弹奏音阶、琶音时如果把同向、反向法结合起来弹并加以一次或几次反复，就能达到持久弹奏的目的。反向练习还能够增加弹奏中的趣味。半音阶也可用相同的方法来弹。这一部分练习会花去很多的时间，但也会从中得到很大的收益。不仅加强了手的锻炼，还加强了手指的独立能力和整只手的力量，可为弹好乐曲做好充分的准备。本来钢琴技术各种类型之间，都存在着有机的联系，能互相补充、互相促进。一个学琴者要想弹好大的乐曲，不弹各种各样的类型的基础练习是不行的，只要将各种类型的练习有机地结合起来练习，技术才会进步很快，才会弹奏得越来越好。
总之，基本功的训练是十分重要的，它需要经过艰苦磨练。实践证明，通过练习大量的音阶、琶音才能少走弯路，才能打好良好的基本功，技术才能进步得越来越快，从而达到事半功倍的效果。
参考文献：
[1]廖宝生.黄金分割的美学观点在巴赫赋格主题构思中的表现[J].中央音乐学院学报,1987(3).
[2]陈比纲.钢琴教学中的音阶、琶音的训练问题[M].北京:华乐出版社,.
[3]童忠良.论我国民族音乐的数列结构[J].中央音乐学院学报,1987(1).
[4]魏廷格.钢琴学习指南388问[M].北京:人民音乐出版社,.
篇2：谈音阶和琵音练习在钢琴教学中的重要性论文
谈音阶和琵音练习在钢琴教学中的重要性论文
摘要:音阶和琵音练习属于技术类型的训练,在钢琴教学训练中占着重要的地位和作用。学生要想打下良好的基本功,就必须通过大量的音阶、琶音练习。该文主要论述了音阶和琵音练习在钢琴教学中的作用和意义。
关键词:音阶;琶音练习;钢琴教学
所谓音阶,就是将音乐中所使用的乐音按音高的顺序依此排列起来,形成阶梯状的序列。所谓琶音,就是将同时发音的和弦各音按从低到高或从高到低的顺序依此奏出而不是同时奏出的音。
在钢琴教学中音阶、琶音属七和减七和弦双八度以及双三度等这些基础训练处于十分重要的地位。许多曲子都是巧妙地运用了各种音阶琶音和弦和分解和弦(包括它们的种种变体)作为表现音乐的手段。例如,尔尼740练习中的第一条就是各种音阶组成的,第二条则是由各类琶音组成的。音阶和琶音等基本功训练不可取代的作用还可以从以下事实中得到印证。拉萨列夫是俄国著名钢琴家,他常常告诫他的学生,每天应该练一小时左右的音阶、琶音。鲁道夫塞金也十分重视音阶、琶音等技术训练,他认为没有技巧,即没有音乐。巴克豪斯也强调音阶、琶音的练习,他每天都练半小时以上的音阶、琶音而且都加上表情。钢琴大师们尚且如此,可见一个学生在他学习技术的七、八年里,音阶、琶音是非常重要的学习内容。
教学实践也证明,虽然音阶琶音弹起来和教起来都枯燥乏味,不易有“立竿见影”的教学效果,但是由于钢琴演奏技艺性很强,在学习过程中需要进行大量的、长期的音阶和琶音训练。如果一个学琴者缺乏这种扎实的训练的话,当他开始跨入中级程度后不久就会遇到困难,使他无法再取得更大的进步。
由此可见,要想弹好乐曲的前提是先打好基础,把音阶琶音[:请记住我站域名/]等基本功练好。那么用什么样的练习方法才能做到事半功倍的效果呢?下面我们从两个方面谈一下音阶、琶音在这方面的重要性。
1.音阶作为基本功的重要性
人的十个手指天生能力不一样,而音阶练习要求每个音的力度要均匀一致,练习音阶能够使手指得到平衡发展,并提高控制手指、运用手指的能力,还可以帮助学生熟悉键盘的位置。
全部的音阶,是由24个大小调式组成的。我们接触最多的欧洲钢琴音乐,几乎全部属于这些调式。熟悉了音阶,也就熟悉了这些调式、调性。而在乐曲中,常有音阶和音阶式的进行,往往这也正是技术难点。平时练习音阶,就为克服乐曲中的难点事先做好了准备。相反,没有音阶练习的基础,一旦在乐曲中遇到音阶临时练习,就要延误正常的学习进度了。表面上,音阶的音符是按顺序排列的,认起来并不难。但实际上,把音阶弹奏得较快而又均匀是很难的'。我们必须每天认真地练习并长期坚持才能弹好音阶。
那么,要用什么样的速度和力度练习音阶呢?要将音阶弹得速度快而又力度强,不是短时期练习所能达到的。对于初学者,尤其是小孩,在速度力度的要求上,应有一个由易到难,循序渐进的过程。在开始阶段,应该慢而又弱,要求在最自然、最省力、腕和指最协调的状态下弹出最均匀的音阶。然后依次过渡到比较快比较强。在经过长期的慢练达到快而又强时,本质上应当依然是自然、省力、协调的状态和感觉。
2.琶音作为基本功的重要性
钢琴音乐是一种和声音乐,和声的基础是和弦的连续,琶音又是和弦的一种形式。因此,琶音在钢琴音乐中占有十分重要的地位。在欧洲古典音乐中,琶音或琶音类的进行相当普遍。弹好了琶音,也就是弹好了许多钢琴曲的片断。
由于琶音是和弦的一种形式,练习琶音的过程也就是熟悉各个调性、调式的各种和弦的位置、和弦的不同色彩的过程。弹琶音时,由于手位迅速转移,其难度比弹音阶要大。其中,关键又在于手腕灵活的协调配合。所以,琶音练习可以帮助获得良好的感觉和状态。弹好琶音,也离不开手指的积极主动。而且,手指是在比弹音阶时更大的范围里运动,必然对手指能力提出更高的要求。所以弹琶音,也就是训练手指的灵敏和活力。在速度方面也可以和弹音阶一样,先慢后快。相比而言,练习琶音的速度可略慢于音阶。但最终掌握技术之后,并不存在于两者之间的差别。琶音所能达到的速度并不低于音阶。由于琶音的音和音之间的距离较宽,在慢速练习中比音阶更容易显得孤立,所以尤其要强调动作、线条、观念意识上的整体感和连贯感。
综上所述,音阶、琶音的弹奏水平是学生技术水平的标志之一。所以各种“考级”都把音阶、琶音作为基本考试内容之一。它是钢琴技术最基本的两种技术。可以说不论演奏哪种风格、哪个时代的作品,都离不开大量的音阶和琶音。可见音阶、琶音在钢琴教学中是多么的重要。
3.音阶、琶音在技术训练中的重要作用
3.1弹好一首乐曲还要有很好的技巧训练
。技巧训练从本质上讲就是提高手和手指的机能,同时让大脑能加以完善的控制。也就是所说的基本功的训练。这只有通过练习的量的积累才能达到。当掌握了合理的弹奏手法以后,练习的量就是决定因素。集中的、大量的手指技术训练,在一定阶段上能使学生的手指功能在短时间内实现质的飞跃。总的来说,在这方面,音阶、琶音练习比练习曲或乐曲更需要大量的练习。只要连续弹上十几分钟的音阶、琶音,手掌就会有隐约发酸的感觉,如果连续弹上半小时到一小时,手指的活动量就相当可观了。这就是练习音阶、琶音的一个很重要的作用。
3.2还有些特定的技术要求。要想把这些特定的技术弹好,就必须让手得到很好的训练,就必须通过大量的练习才能达到。而在弹奏音阶、琶音的练习时才能得到集中的、大量的训练,才能达到训练目的。一个学琴者要想把音阶、琶音都弹好,不花费很大的功夫是办不到的。
3.3练习音阶、琶音最好每一遍都能弹得持久一些,使手能够得到充分的连续活动。车尔尼通过他的练习曲集作品337和作品365阐明了这一点。他要求弹奏每一小段都要反复弹十几遍,使手得到大量的练习。前辈们的经验告诉我们,学生通过大量的练习音阶、琶音,能在很少的几个月里达到纯熟的程度,而用通常的办法练习,只有通过几年辛勤刻苦的练习才能取得一定的成绩。
3.4弹奏音阶、琶音时如果把同向、反向法结合起来弹并加以一次或几次反复,就能达到持久弹奏的目的。反向练习还能够增加弹奏中的趣味。半音阶也可用相同的方法来弹。这一部分练习会花去很多的时间,但也会从中得到很大的收益。不仅加强了手的锻炼,还加强了手指的独立能力和整只手的力量,可为弹好乐曲做好充分的准备。本来钢琴技术各种类型之间,都存在着有机的联系,能互相补充、互相促进。一个学琴者要想弹好大的乐曲,不弹各种各样的类型的基础练习是不行的,只要将各种类型的练习有机地结合起来练习,技术才会进步很快,才会弹奏得越来越好。
总之,基本功的训练是十分重要的,它需要经过艰苦磨练。实践证明,通过练习大量的音阶、琶音才能少走弯路,才能打好良好的基本功,技术才能进步得越来越快,从而达到事半功倍的效果。
篇3：钢琴教学中的音阶练习研究论文
钢琴教学中的音阶练习研究论文
一、手指弹奏的姿势
在钢琴弹奏中指法弹奏的代名词。指法体现着演奏科学规范、巧妙的运用。演奏者乐感、节奏感综合能动性体现在弹奏的指法上。指法的顺指舒展，扩指自然，穿指流畅，跨指连贯，换指科学，缩指简便，轮指清晰，跳指矫健。多键指准确，和弦在拍点，大跳及时，快而不乱。具备这些条件才算合格。学琴者面前的首要任务就是摆在每一位学琴者面前的课题和任务就是：探寻指法的潜力、体验指法的神气、追求指法的严谨、研究指法的科学、掌握指法的规律，运用指法的奥妙。经过证明：好的指法是最方便进行钢琴演奏的，反过来说，最利于进行钢琴演奏的指法是最正确的指法。养成良好的运指习惯是完成技巧的前提条件。在练习音阶之前，应当熟悉音阶中的每一个音及其指法的运用，如拇指三指和四指在转换时的运用。这一切都应当脱谱熟记，之后再开始练习。特别要注意黑白键交替过程中固定指法的运用，避免拇指上黑键，保证一至三指、一至四指音列进行的顺畅。最普遍的指法时C大调的指法，其余各种调的指法都是在此基础上演变而来的，变化的目的只有一个，即方便钢琴的弹奏。
二、钢琴弹奏的指法技巧
（一）弹奏的均匀
音阶的练习就是在弹奏不均匀中普遍存在的。换句话说，音阶是弹奏最重要的，也就是通过手指弹得不均匀是音阶练习中普遍存在的一个问题。弹奏不均匀，一般有两个方面，一是弹奏的力度，另一个是弹奏的速度。不少人弹音阶，这两方面弹奏的不均匀都兼而有之，提高弹奏的基本功就是要具备手指的独立性。
（二）弹奏的速度
音阶弹奏如果在短期内有很快的提高，必须要循序渐进的进行弹奏的练习。如何有效的提高音阶的弹奏技巧、弹奏速度，在刚开始练的时候，不要过快。最好是先慢速练习。指法、键盘位置熟练以后再逐渐加速。手指的快速跑动能体现手指的指触反映和弹奏灵活能力，主要体现在灵活、敏捷、快速。手指快速跑动关键在于正确的用力。练习中我们经常跑不动、跑的笨重。由于音乐停滞、不流畅。导致手腕产生严重的抖动。解决这些问题需要把一个音用一次力转行为一组音用，或者用一个力度弹奏一组音、一串音。在速度练习中要长期执行。刚开始练习是短跑，音较少。随着练习的.进度，跑动的距离要加长，手会累，弹奏的速度减慢，不均匀，不清楚。这个时候要加强手指承受能力和持续时间。加大练习的运动量。最主要还要依靠意念，积极主动的进行。要有好的精神状态才能会产生动作的积极性。精神状态如果不好的话，会出现疲惫和懒散的不积极的弹奏速度。速度的练习有时不在技术动作有问题，而在精神意志的懒惰。另外要加强弱指的训练，要一点一点的完善它们。
（三）弹奏的力度
弹奏力度的不均匀，往往是由于1指和5指。1指的力度较重。而且因为转指，导致弹奏力度就不均匀。而5指天生较弱，没有经过的长期训练，是无法达到灵活的效果的，所以重点要特别控制1指。因为1指动作异常缓慢，没有其它各指那么灵活。而且，加入黑键基础很难控制。在音阶要注意力度的自然倾向，即上行是要均匀的渐强，下行时细致的渐弱。弹奏的力度要尽可能保证一致，避免音的力度无变化、弹奏僵硬，使音阶缺乏圆滑流畅的感觉。在自然大调中，手的状态是最均匀的。这就告诉我们手指在黑白键上的区别。所以，弹奏时在键盘上用不平的方式进行，可以得到平稳的弹奏结果。因此，在弹音阶时，除转弯之外，还要注意手指顺应键盘位置的高低变化。最后，练习音阶最好弹奏的时间要持久一点，使手指能充分的连续活动，在弹奏钢琴技巧训练中，要持久的练习是最重要的，也是很有用处的。
三、结语
由此可见，弹奏在音阶的过程充满了价值。从一个八度开始到一条完整的音阶，再到所有二十四条音阶，都应该熟练掌握。然而，对音阶弹奏的姿势、技巧更要了如指掌，使双手能够以各种变化方式进行弹奏。总之，音阶练习不容忽视。只有认识到音阶练习的重要性，才能提高练琴的质量；在钢琴教学中，更需要我们的重视，用心发现问题及时总结，从小细节中得到大的发展。
篇4：示范在钢琴教学中的重要性论文
示范在钢琴教学中的重要性论文
一、示范的重要意义
要认知理解示范在钢琴教学中的重要性，首先就必须全面认知理解示范在钢琴教学中的重要意义。也就是说，重要意义乃是重要性的理论依据与具体支撑。这虽然属于理性认识范畴，但这种理性认识对于钢琴教学实践，具有十分重要的指导意义。钢琴教学同所有的教学一样，都是素质教育，亦即能力传授。虽然有理论知识的讲授与学习，但那也是为实践能力的培养服务的。教学作为“学校工作中由教师的教和学生的学共同组成的活动，是学校进行智育、德育、美育和体育的主要途径，是学校的中心工作。通过教学，学生在教师有目的、有计划和有组织的指导下，积极、主动地掌握系统的文化、科学、技术等各类知识和技能，发展智力和体力、独立学习和创造的能力，陶冶性情和审美情趣，形成良好的思想品德。”[1]钢琴教学的目的，主要是培养学生的钢琴演奏能力，而这种能力的培养，不能只靠口头讲解。常言说：“光说不练嘴把式。”指的是能力的养成必须以刻苦的实际训练为主体和核心。在这种能力培养中，教师的示范是必要的，这可以为学生起到模仿、借鉴、参照、学习的样板作用。只有这种示范教学，才能真正教会学生学会钢琴演奏。没有这种示范教学，聪明的学生，也很难会“自悟”。从某种意义上说，钢琴演奏很难“自学成材”，必须在钢琴教师的示范教学的带动指导下，才会成材。由此可见，示范教学在钢琴教学中的重要意义，也就显而易见、不容置疑了。
二、示范的主要内容
钢琴教学中的示范教学，内容十分丰富，其中主要有以下几个方面：
（一）资料示范
在钢琴教学中，教学资料就是无形的“老师”，它们完全可以起到示范教学的重要作用。著名钢琴家兼钢琴教育家魏廷格先生指出：这些教学资料“为广大钢琴学生提供了他们所学材料的一个范本、一个榜样、一个追求目标。“”可以为钢琴教学释疑解惑。“”可以反映示范带当作音乐欣赏的材料。这些乐曲简单易懂，可以作为听赏更高级复杂音乐的一个预备。”[2]钢琴示范教学中的资料示范，主要有录音带、录像带、光盘、磁盘、电影资料、电视资料、电脑资料、网络资料、电信资料等等，可谓多种多样。
（二）理论示范
钢琴教学中示范教学的理论示范，主要是对所演奏的钢琴曲目进行作品分析，这是一种“案头工作”，也属于理论范畴。钢琴曲的作品分析，主要有两种类型：一种是综合分析，包括对作品的思想内容各个要素（包括题材、主题、形象、事件、情感等）与艺术形式的各个要素（包括体裁、结构、手法、语言、风格等）进行全面系统的分析；另一种是单项分析，也叫“专题分析”，就钢琴演奏的作品某一环节进行专门的分析，例如关于作品的情感分析、关于作品的艺术风格分析等等。与作品分析密切相关的，还有两项重要内容：一个是关于作曲家的生平简历、创作道路、艺术追求、艺术风格的分析；另一个是针对作品分析，制定出自己演奏的艺术构思与具体艺术构想。如果说，钢琴作品如同钢琴音乐的“设计图纸”的话，那么演奏者的作品分析就要根据这“图纸”制定出相应的“施工计划书”，即怎样诠释、演绎作品，怎样通过演奏体现作品，包括演奏中的每一个重要环节，都要想好。只有这样，才能使演奏做到“胸有成竹”“、处乱不惊”。作品分析的示范，要求示范者以一个演奏者的身份，拿出自己的分析文本，以供大家学习、借鉴、研究、参考。
（三）演奏示范
钢琴教学中的示范教学，核心与重点是钢琴演奏示范，这也是一种能力示范。这就如同声乐教师示范演唱、体育教师做示范动作、舞蹈教师做示范表演、书法教师做示范书写一样。钢琴演奏的示范，包括钢琴演奏的所有内容，即正确的演奏姿势、各种指法的正确运用、正确的各种触键方法的运用、踏板的合理运用、钢琴演奏各种技术技巧的运用（例如音阶、琶音、踏音、双音、装饰音、连奏、断奏、非连奏、连断奏、保持音、八度、和弦等），而且每种技术技巧还分得更细，例如装饰音的演奏技术技巧就包括倚音（前倚音、后倚音）、回音、波音、颤音等多种演奏技术技巧。在演奏示范中，不仅要做出示范性的演奏动作，还要适当地进行讲解、点评，有必要时一个演奏动作还应反复多次地进行。而且这种示范越具体、越细致，教学效果就会越好。例如演奏我国作曲家贺绿汀创作的民族化钢琴曲《牧童短笛》时，示范者在做示范演奏时，必须强化这部钢琴曲使西洋作曲法中的复调、和声、曲式等元素与中华民族传统音乐相结合所表现出来的中国化的音乐美。全曲的音乐形象，“向人们展示一幅人与大自然和谐一致的风景画：在美丽的江南水乡，两个穿着短裤和背心的牧童，骑在牛背上，悠闲自在地吹着竹笛，漫游于田间。一支笛子吹高音，另一支笛子伴以吹低声部，形成自由式的二部对位。以五声调式为主体的和声音程的替换，使乐曲更加和谐明朗而又充满清新淡雅的乡土气息。”[3]因此，演奏时要凸显双手对位的此起彼伏，所有的重复乐句，都要用有变化的音量加以处理。在第二乐段具有舞蹈性的音乐中，右手弹奏的主题要模仿中国的传统民族乐器———竹笛常用的双倚音装饰旋律的演奏方法，不仅要速度快，而且要发音清晰、音色纯美、清脆华丽，并注意弹好首尾的放与收，而左手在稳定的节奏衬托下，因为断奏的音与音之间的跨度较大，所以要弹得十分精准，小指的低音要有弹性。在踏板运用上，可以采用谱面上的标记法，只点一下即可，以起到加强旋律和确保声音干净、清脆的作用。与此同时，还要注意波音的弹奏，指尖要灵敏，反应要快，使乐曲轻盈而流畅。又如演奏法国印象主义音乐创始者德彪西的钢琴曲《月光》时，示范者首先要表现出全曲的总体艺术风格：“与印象画派追求‘光色感受’与‘瞬间印象’一脉相承。作曲家勇于创新，大胆开拓，采用了全音音阶、五声音阶等作曲手法，同时扩大了调性范围，节奏节拍自由多变，并充实了音响表现力，用新的和声语言表现作品中的色彩感，而不仅仅以旋律为音乐的生命，从而开辟了一个新的音乐纪元。”[4]也就是说，创造出音画同步、视听一体的'新的音乐风格。因此在演奏时，两手要放松，指尖要有沉到键底的感觉。奋手的高音稍加突出，以加强持续音的立体感，营造出“月光”的音乐形象。而左手要尽量平稳，音响要丰富厚实。尤其是第三段中，右手旋律在轻轻划过的分解和弦的伴奏下，要略作突出，构成微妙的层次感，营造朦胧的色彩感。手指触键要柔和，使旋律线条流畅自然，并富有歌唱性。从而完成整首乐曲的美学境界：“与其说德彪西的音乐是描绘了自然景色，不如说它是通过自然景色的描绘来刻画人的情感……德彪西首先想揭示人的精神世界。”[5]凸显出情感是音乐的生命与灵魂。由此可见，钢琴教学中示范教学的内容是十分丰富的，它们充分体现出主要内容是钢琴示范教学中所有教学内部各要素的主干与重点、核心与关键。
三、示范的必要形式
钢琴教学中示范教学的形式，是为教学内容服务的，也是与教学内容相匹配的。形式与内容有机统一、完美结合，才能使二者相辅相成、相得益彰。也就是说，钢琴示范教学的形式，是确保其教学内容得到具体落实的可靠保证。具体来说，钢琴示范教学的必要形式，有以下几种：
（一）示范主体二元化
钢琴教学中的示范教学，示范者要从教师的一元化变为教师为主、学生为辅的二元化。教师示范要做到全面、水平高、细致。学生示范也应成为钢琴示范教学中不可或缺的组成部分。学生示范具有独特的作用：就如同语文课作文教学中宣读学生的范文、戏剧教学中学生做示范动作一样，会使所有学生感到“近有可学”，有真实感、亲近感，会发挥“兵教兵”的作用。“学生示范也包括作品分析示范和动作示范两大内容。这两种示范都不要求大、求全、求高，只要有可取之处，就要请学生做示范。哪怕是‘一知半解’，只要有独到之处，就应示范。因为每个学生的‘一知半解’，汇总起来，就可能变成‘全知全解’；而对每一个学生而言，开始的‘一知半解’，也可能变为后来的‘全知全解’。……同时要注意，学生示范不要固定化，要在学生中树立‘你能我也能’意识，‘人人都来做示范’，形成良性的学习竞争态势和积极主动的学习氛围。”[6]做到示范教学的最大化。
（二）示范过程层次化
钢琴教学中的示范教学，要由浅入深、循序渐进，形成层次化。即由练奏示范→视奏示范→伴奏示范→演奏示范，步步为营，层层提升。
（三）示范方式机动化
钢琴教学中的示范教学，要采取机动化的方式，除了课堂教学的示范以外，还要配合教师辅导学生参加钢琴演奏会或钢琴比赛等活动，进行灵活机动、适时管用的示范。由此可见，钢琴教学中的示范教学的形式，也是多种多样的。
篇5：即兴伴奏在钢琴教学中的重要性论文
即兴伴奏在钢琴教学中的重要性论文
一、即兴伴奏有助于钢琴弹奏技能的提升
弹奏基础作为即兴伴奏的基本条件，它的弹奏水平、深浅程度对即兴伴奏具有直接作用。但是，我们也应该意识到：钢琴基础好与即兴伴奏好具有明显的区别，钢琴演奏依赖于机械练习，在反复磨练的过程中，让乐谱内容再现，最后提高技能；即兴伴奏更多的是应用作曲技巧，在对相关歌曲进行即兴编配的同时将其演奏出来，和演唱者一起完成歌曲的创造性劳作，它不仅是技巧，更是一种能力。在钢琴教学中，为了让学生达到十指灵活、配合自如的境界，必须加强技术训练，具体如：音阶、练习曲目、琶音、乐曲等，因为大部分即兴伴奏的伴奏音型都是和琶音、弦音各种变形的运用。在弹奏曲目练习时，如果学生不了解音律，可想而知兴趣也极为有限；反之，如果即兴伴奏练习的曲目比较熟悉，学生在练习时就能产生学习兴趣，所以在钢琴教学中适当Kechengyujiaoxue课程与教学加入即兴伴奏对帮助学生提高弹奏技巧有很大帮助，这样既能帮助学生提升演奏技巧，又能增强伴奏能力。
二、即兴伴奏有助于理论知识的提升
在钢琴教学中，为了让即兴伴奏既动听又准确，伴奏者不仅要努力提高自身听觉能力，还必须掌握和声布局与功能、声部演变以及和声框架等一系列基础知识。和声节奏作为即兴伴奏的关键部分，和声节奏是和声在变换中的具体频率，当然它也会因为歌曲不同而存在差异。通常对于欢快的歌曲，选用两拍或者一拍进行和声功能变换，具体如《红莓花儿开》。在《让我们荡起双桨》这类舒缓的歌曲时，要求自然放慢和声节奏，并且在一个或者两个小节处转换和声功能。另外，对作品知识进行分析在即兴伴奏中也有重要作用，伴奏人员不仅要快速掌握段落情况，分析歌曲内容，还必须快速确立音型伴奏，以达到渲染情绪。在掌握歌曲创作特点、风格以及歌词内容后，即兴伴奏人员必须活用各种书籍学到的知识，从而不断提升自身文学素养和文化意蕴。
三、即兴伴奏有助于表现能力的提升
从音乐教学内涵来看，音乐表现并不是钢琴演奏的最终目的，很多学生在学习时，只注重自己能够演奏什么样级别的'曲子，并且以多快的速度演奏，却忽略了对曲子的理解与认识，所以很难表现出作曲家真正的意图与音乐内涵。在现代钢琴教学中，我们不仅要注重弹奏技巧的培养，还必须强化学生的表现能力，而在即兴伴奏中，更多的是要求学生多听、多弹、多练、多想，这样才能真正领会音乐曲目内涵。此外，同样的旋律、节奏、音符，通过不同的人进行演奏就会得到不同的感受，这就是常说的音乐表现力差异，它不仅是天赋，同时也是后天渲染、熏陶的结果，为了培养音乐表现力，它不仅需要花费大量时间进行练习，还必须领略音乐隐藏意蕴。在这过程中需要注意的是：纵使伴奏人员拥有很强的表现能力，也不能将伴奏演变成独奏，只有认识到伴奏与演唱的地位后，才能在音量表演上取得平衡。在音量比例调整中，为了确保双方持衡，必须选用恰当的比例。
四、有助于快速反应与视奏能力的提高
和文学一样，音乐也需要阅读大量书籍，从中感受音乐的魅力与创造力。视奏作为音乐的重要阅读方式，从当前的中等专业学校视奏训练来看，不管是专门训练，还是教学方法都有待提高。在很长一段时间，钢琴基础教学都被视为无法教、不可教的部分，所以一直不被重视。在视奏能力不高的环境下，严重阻碍了音乐感受力以及创造力的提升。在即兴伴奏中，即使是没有见过的乐谱，演奏人员也能顺利地弹出，所以要求其具有良好的视奏与视谱能力。反应能力作为即兴伴奏演奏人员必须具有的能力。首先，对乐谱、键盘必须具有快速的反应能力，其中键盘反应包括和声功能与二十四个大小调。对于乐谱的反应，是除了调性之外的作品结构、调式、速度、风格以及情绪反应。所以除了要认真体会，还必须及时反馈，从音乐、歌曲要求出发对其进行调整，这样就能快速弹出伴奏，收到一拍即合的效果。其次，才是和声布局、织体伴奏反应能力，伴奏人员必须在最短的时间内，理解歌曲布局，才能让和声变得更加精彩。即兴演奏作为一种综合能力的表现，它对钢琴教学以及技能知识的提高都具有重要作用。因此，在实际工作中，我们必须正视即兴演奏的重要性，从真、善、美出发理解音乐作品意蕴，在大胆尝试、敢于创新中，将艺术想象与本质结合起来，这样才能得到真实的超越。
篇6：视奏训练在高等师范学院钢琴教学中的重要性论文
视奏训练在高等师范学院钢琴教学中的重要性论文
近年来，我国音乐教育事业得到快速发展，而钢琴教学在高等音乐教育体系中的占据着重要的地位，因此需要重视高等师范院校钢琴专业的教学。高等师范学院音乐教育专业钢琴教学的主要目的不是简单提高学生钢琴演奏的技巧和掌握几部难度较高的钢琴作品，而是满足本专业学生对广泛基础知识、扎实基本功以及综合吸收、发展能力的需求。面对学生的需求以及新课改背景下素质教育的发展需要，高等师范院校音乐教育专业钢琴教学的教师需要对钢琴授课模式进行改革和探索。
一、高校师范学院钢琴教学中视奏训练的现状
高等师范类院校钢琴专业的培养目标不同于专业音乐院校，其主要是培养中小学或者社会音乐机构的音乐教师，因此我国高等师范院校需要培养学生多方面的能力。尽管视奏是钢琴教学应用能力中较重要的部分，但也是钢琴教学中容易被忽视的部分，因此在高等师范院校钢琴教学实践中，很少有教师将钢琴视奏训练作为授课内容，并且音乐教育钢琴专业的教学法并未将视奏单独纳为独立教学法。因此，导致出现学生钢琴学习速度慢、回课质量偏低的现象，甚至部分学生丧失学习钢琴的积极性和主动性，严重影响学校钢琴课程的正常进行。由于师范类音乐专业学生的学习面涵盖范围较广，学生识谱的时间较少，且存在部分学生的专业基础薄弱的情况，然而视奏训练对学生的能力和专业素养要求较高，导致视奏训练在高等师范院校并未得到真正有效的开展。
二、视奏训练在高校师范学院钢琴教学中的重要性
识谱不仅是视奏训练的重要前提，还是视奏课程总体的核心部分，此外钢琴专业自身具有的音域宽广、声部复杂和织体丰富的特点，促使钢琴识谱成为所有乐器中识谱难度最大的专业。而视奏训练不仅重视对高校钢琴教学中学生所需基本功的培养，还重视对学生快速而准确的识谱能力的培养。
(一)钢琴学习兴趣的激发
高校毕业后学生的工作性质决定学生在以后的教学需要演奏技术、风格流派和传授手段等各方面的能力和专业素养，而学习兴趣是学生自身音乐素养和能力养成的前提和基础。由于视奏是指学生具有面对新谱便可即刻进行演奏的能力，其不仅要求学生在看乐谱后能够即刻进行演奏，还要求学生在按照乐谱演奏的同时保持节奏、音高和力度方面的'准确性，因此视奏训练是具有极强的挑战性和刺激性的训练，充分利用学生的求知欲和求胜心，可有效激发学生学习钢琴的兴趣。例如：在多数高等师范学院钢琴专业中，存在多数学生的钢琴基础较差，在演奏钢琴曲《秋日私语》时，学生需要时常查看乐谱，进而导致学生在弹奏钢琴曲目时出现时断时续的情况，其严重影响学生学习钢琴的兴趣。教师对学生进行视奏训练后，学生能够流畅的弹奏名曲，可有效提升学生的学习兴趣。
(二)钢琴学习能力的提高
视奏训练时，学生眼睛主要注视乐谱，手指在大脑的支配下在琴键上进行摸索，是可提高学生对键盘间距离的感知能力，培养学生手的把位感。视奏训练还可以培养并强化学生的听觉能力，视奏训练以听觉为主导，学生通过用耳朵聆听的方式辨别弹奏的音准、音色、力度和踏板处理的恰当程度。由此可以看出，视奏是对学生听力能力和盲奏的考验，而视奏训练能够很好地训练学生的听觉能力和盲奏能力，进而实现有效提升学生钢琴学习能力的目的。例如：学生在弹奏《梦中的婚礼》时，在演奏的过程中，学生快速识谱后将谱面信息传递给双手，形成眼、脑、手三位一体的协作和配合能力，有效提高学生在琴键上的盲奏能力。
(三)钢琴音乐素养的提升
钢琴的发展历时长久，由于学生接触到作品的风格、时期和作曲家各有不同，并且作品在创作和演奏中拥有不同的规律和特点，因此，在高等师范院校钢琴专业点的教学中，教师通过让学生有意识的演奏名人作品的方式，可有效实现提升学生自身音乐素养的目的。视奏训练要求学生进行有意识地演奏自身不熟悉风格的作品，其是从简单到复杂、从浅显到深入的过程，但视奏训练可有效将学生从自身狭窄的风格范围内解放出来，形成多样的音乐风格，进而实现提升学生自身音乐素养的目的。例如：教学通过视奏训练的方式，进行拉赫玛尼诺夫的《第三钢琴协奏曲》的学习，学生在欣赏国外名曲的同时，了解作品的创作和演奏的规律和特点，可实现提升学生音乐素养的目的。
(四)钢琴学习效率的提高
学生由于自身缺乏专业能力和专业素养，导致其在进行乐谱的练习时需要花费大量的时间，而良好的视奏训练能够有效缩短学生的练习时间，提高学生的学习效率。良好的视奏训练作为世界各国钢琴教育中的重要技巧，其通过对学生进行系统的训练与指导的方式，有效缩短学生的练习时间，从而实现提高学生学习效率的目的。例如：施特劳斯的《四季》是属于难度较大的曲谱，学生需要花费大量的时间进行排练，导致学生在有限的时间内掌握名曲的数量减少，而学生在视奏训练后拥有一定的音乐视野，学生自身具备一定的即兴伴奏的能力，可减少学生的学习时间，进而提高学生的学习效率。
三、结束语
在高等师范学院的钢琴教学中，钢琴的视奏训练与钢琴练习、音乐理论的学习关系密切，良好的视奏训练可有效激发学生的学习兴趣，并提高学生钢琴学习的能力，提升学生自身的音乐素养及学生学习效率的目的，并能为未来学生进行的音乐教育事业打下扎实的基础。
篇7：钢琴学习中的音阶、琶音练习论文
钢琴学习中的音阶、琶音练习论文
随着音乐水平的进步，音乐渐渐形成非常完整的理论与系统。作为钢琴技术的基础，音阶、琶音在学习钢琴的过程中起到了至关重要的作用。音阶（Scale）指调式中的各音，从以某个音高为起点即从主音开始，按照音高次序将音符由低至高来排列。琶音是指一串和弦音从低到高或从高到低依次连续奏出，可视为分解和弦的一种。
一、音阶、琶音作为基本练习的重要性。
伟大的钢琴教育家车尔尼曾经说：怎么样才能成为一名优秀的钢琴家？请你先告诉我你练习了多少音阶。演奏者运用精湛的弹奏技术、细腻地情感表达以及全身心的投入才能演奏出美妙动听的音乐。琶音是和弦的一种形式，以音阶为基础。练习琶音的过程也就是熟悉各个调性、调式和弦的位置以及和弦的不同音响色彩的过程，所以说琶音在钢琴音乐中占有很重要的地位。弹琶音时，由于手位迅速转移，其难度比弹音阶要大，主要在于手腕灵活的协调配合。
由此可见，没有过硬的技术和出色的技巧，就无法做到得心应手地诠释音乐的表现及情感。因此，在钢琴学习中尤其要注重音阶和琶音的练习，通过对音阶、琶音的弹奏练习可以挖掘手指、手腕、手臂等生理机能的潜力。
二、钢琴学习中弹奏音阶、琶音存在的常见问题。
（一）手指弹奏时的问题。
由于1指长在手的侧面，与其他手指有着很大的区别，它的灵活程度关系着整个演奏水平。弹音阶时经常把1指和手腕压得很低，尤其是在“穿指”后需要用到1指弹奏的时侯，手腕容易往下压，初学者弹奏音阶时容易出现力度不均匀、不流畅、指法乱的情形。2指具有良好的独立性和灵活性，但是这一优势导致了在练习过程中忽略了对2指的重视，在弹奏快速的音阶、琶音时就暴露了2指的弱点，不能积极主动地转移。3指最长，弯曲程度最大，所以3指缺乏灵敏性，容易影响力量的传递。4指天生能力就弱，弹奏时经常与3指和5指连到一起，而且4指弹奏的声音比较虚。5指是手指中最短小的一个，支撑能力差且触键面容易过大，第二、三关节突不出来。
（二）手腕弹奏时的问题。
在平常的练习中经常出现手腕上下晃动，弹琴的时候非常吃力，而且手腕左右摆动幅度过大影响了弹奏的速度，手腕容易往下压，造成了弹奏动作的不连贯，同时也导致了弹奏力度的不均匀。手腕的晃动是因为弹奏的力量没有完全集中在指尖上，手腕不放松、僵硬。弹奏所用的力量不是由肩部传到指尖，只是手指被动的用力。一直这样练习的.话时间长了，就会出现手腕和前臂酸痛的现象，无法做到快速、流畅地演奏。
（三）力度不均匀的问题。
由于1指不够灵活，比较笨拙，初学钢琴时弹奏音阶、琶音总是出现1指过强，声音听起来很重，还有就是弹奏黑白键时音色不统一，以及弹奏黑键时力度不够的问题。相比较4、5指弹奏的声音就比较单薄，没有穿透力。而且弹奏音阶、琶音时不连贯，容易按错键，弹完一个音后手指没有立即放松去准备弹下一个音，手指间没有准确的距离感，大脑里没有琴键之间距离是多少的意识，弹奏僵硬，缺乏圆滑流畅感。不仅造成了音阶、琶音弹奏不流畅，还无法表达乐曲的情感。
三、如何才能弹奏好音阶、琶音。
（一）身体形态。
在进行钢琴练习之前，首先要注意坐的姿势。脚要一前一后分开，不能两只脚叠在一起，或是翘着二郎腿、再有就是脚尖着地腿放在琴凳里面，胳膊自然、放松地放在琴键上。保持正确舒适的身体形态，使全身各部位和关节都处于反发送的状态。在练习音阶、琶音的过程中，手臂应该放松，腕部应该向音阶、琶音隐形的方向倾斜，带动手指积极主动地完成穿跨动作，为手指的运动提供最有利的方式和能量给以支持。只有做好了用放松的姿态弹奏才不会影响力量的自然流畅，才能弹奏出好的声音。
（二）触键及音色。
不同的触键练习可以弹奏出不同效果的声音，钢琴初学者可以采用打开掌关节的方式，抬高手指，落键时要迅速。慢练时，应该检查技术动作是否正确，手指落键要十分准确、利索。初学者练习音阶、琶音弹奏时可以先练习以下谱例：
音阶：打开掌关节，抬高手指，下键干脆，离键迅速。将音阶中的每四个音视为一拍，在每次拍头上加上重音记号进行练习（见谱例1）。
谱例1：
练习这条的目的是弱化转指时容易出现的1指过响问题，有助于练习手指的独立性。弹奏第一个音时用手臂的重量，运用连奏来完成弹奏。锻炼手指的灵活性以及触键的力度，做到使音色均匀、统一（见谱例2）。
谱例2：
琶音：掌关节支撑住，转指迅速，手臂带动手腕，增强手指跑动的速度，熟悉键盘（见谱例3）。
谱例3：
弹奏琶音时重心要集中于指尖，需要掌关节的支撑。穿指时，1指要有准备，手指略微向内弯曲，主动向手掌内移动。还可以进行短琶音练习，把和弦的原位与转位分组，加上重音练习（见谱例4）。 谱例4
这一条练习曲的指法没有黑白键的转换，所以不用担心转指和弹黑键时出现的按不准音的现象。
练习弹奏黑键时要记清楚黑键音的位置，以及各调的指法规律，尽量保证手指触键面准确在黑键中间位置，缩小从白键到黑键的距离。还要注意手型的保持，掌关节也要支撑住，在练习时遇到黑键音要用弱指弹，日积月累地反复练，弹奏黑键所遇到的问题就会慢慢地解决。
（三）力度。
弹奏音阶、琶音时的力度问题，是在熟练地掌握了手型等基本能力以后该解决的问题。初学阶段可以采用“先分后合”的练习方法，在日常的练习中首先要掌握指法，可以先单独练习右手，然后重点练习左手，最后双手合练。跨指时在1指弹奏后，其它手指要从1指上方越过，以1指为支点，通过掌关节带动手掌的移动，手指应在完成弹奏以后迅速离开键盘，锻炼4、5指的独立性。在弹奏音阶、琶音的过程中，要做到连贯且均匀，各个手指的力量十分平稳地转移，弹奏动作应非常圆滑地依次相随，用力统一均匀。另外练习时要注意力度的自然倾向，即上行时均匀地渐强，下行时细致地渐弱，避免每个音的力度毫无变化。
（四）速度。
对于初学者来说，刚接触音阶、琶音时应采用“先慢后快”的速度练习，应该遵循循序渐进由浅入深的原则。在钢琴学习的启蒙阶段，可以采用边弹边唱的形式，根据自身的程度用均匀的、连贯的、重心转移的、由慢到快的练习方法去弹奏音阶和琶音，快速弹奏时要特别注意手指离键问题。《车尔尼849练习曲》中，第6、8、9、11、14、18条都是音阶式的跑动，着重练习音阶的弹奏，第15、24、25条以及《哈农》的第40条是以练习各调琶音为目的。
抓住音阶、琶音的弹奏要领，既有明确的意识，又有具体的措施进行练习，方能见成效。只有通过大量的音阶、琶音练习，才能提高学生手指的灵活度、独立性、颗粒感和力度，才能打下良好的基本功促进弹奏技术快速进步，将自己的演奏水平提升到一个新的阶段。
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篇8：浅析钢琴学习中练习的重要性的教育论文
浅析钢琴学习中练习的重要性的教育论文
摘要:本文主要通过练习习惯,练习时间,练习方法三个方面,阐述了钢琴学习中,练习的重要性。并着重强调只有运用科学的练习方法,持之以恒的练习,才能不断提高钢琴演奏水平。
关键词:练习习惯;练习时间;慢练;分解练习;技巧性练习
任何知识技能的学习,掌握和巩固都离不开练习。而钢琴演奏作为精密的技能运动,练习更是演奏者赖以维系技巧的关键。俗话说“曲不离口,拳不离手”,这句话同样适用于钢琴演奏,如果中断练习,演奏者的手指机能,指触感觉,技术水平就会立刻退化,可见持之以恒的练习,是贯穿于每一位演奏者整个艺术生涯的。
对于初学者来说,养成良好的练习习惯是应当放在首位的。习惯的好坏直接影响整个学琴过程,也关系到最终的学习效果,所以为长远的学习考虑,一定要从培养良好习惯着手。那么良好的习惯具体有哪些呢?简单的说可概括为四点:
1.热爱学习和练习。培养孩子的兴趣,树立学习的自觉性,是使孩子具有良好习惯和正确学习态度的根本。
2.练习时注意力集中。孩子在练习过程中常常缺乏毅力和耐心,会找各种借口拖延时间,这时要严格要求,约束孩子的散漫行为,不能姑息纵容。在规定的练习时间内,要求孩子们必须精力集中的只专注于手上的练习,
3.练习时目的明确。每天开始练琴时就要计划好这段时间的练习重点,培养孩子从小就明确做事要有效率的观念。
4.动脑练习。学习钢琴对孩子的智力开发,具有积极性作用。练琴时,眼睛耳朵头脑都要运用,先动脑想清楚看清楚再动手。练习过程中也要边演奏边思考,仔细看仔细听,这样练习的有效性才能充分显示。所以要培养孩子动脑练琴,避免动手不动脑,只做机械的手指运动。
对于初学的孩童来说,好的习惯,需要家长在辅导学习的过程中潜移默化的灌输给孩子,要有意识的运用科学性的引导,帮助孩子培养好习惯的感知。
钢琴学习需要不断练习才能出成果,那么安排练习时间也是非常重要的。孩童练琴时间要有规律,每天保证按时练习,养成习惯。根据孩子年龄和程度不同,可灵活安排练习时间,当孩子注意力不集中或疲劳时,要及时休息或转换练习内容。练习时尽力避免机械的重复运动,将不同类型不同音乐特性的曲子交替练习,可提高孩子的学习兴趣。据有一定程度的演奏者,可根据自身特点合理安排练琴时间。智利钢琴家克劳迪阿劳说,他在12,13岁时,每天要进行3小时的基本练习,14岁以后这段时间改为练习曲困难部分的练习。他认为练习时间应随着每个人的体力精力而定,最重要的是练习时要身体放松,精神集中的演奏音乐。所以,如果能静下心坐得住,练习时间越长越能在技能上获得提高。钢琴演奏是技能性训练,只有长时间精力集中的练习才能不断取得突破,那些功成名就的伟大钢琴家们,每天也是必须保证一定量的练习时间才能维系娴熟的手指技能。
花同样时间练习,但是方法不同,效率自然大相径庭。练琴方法是否正确,直接影响练习成果。所以我们要善于利用前人总结的方法,结合自身条件灵活运用,要培养自己能准确判断出何种练习方法在何时最有益的能力。下面我们就探讨几种基本但非常有效的练习方法。
一、慢练
慢练犹如一面放大镜,能将乐曲中的一切细节扩大化,使演奏者有充足的时间注意到每一个音符的记号和要求。对作品进行慢速练习,一方面可以减轻读谱的困难,一方面也是为了更准确掌握演奏技巧。在乐曲初步成型的阶段,放慢速度,眼睛来得及看,手上来得及准备,这样才能够按照乐谱标记的正确节奏,运用正确的指法把音符弹准确。这就要求我们在识谱阶段就要按乐谱标记的最佳指法练习,并通过慢练巩固正确的指法,规范的节奏,和正确的演奏方式,这样可以避免事后对先入为主的错误形成的习惯花费改正的时间和精力。其次从技巧形成的角度来说,慢练可以促进演奏动作的连贯,使演奏者清楚演奏的方向,手指动作是向上向下还是左右之间变动。技巧动作的规范和准确需要意识的支配,只有慢练才能加强全身动作的配合与协调,使音乐的气息变的如呼吸一般绵延漫长。另外,一首已经练习成熟的作品,要将它长时间的保留住也需要慢练来巩固,如果不在适当的慢练中做意识性的加强和巩固,那长时间练习形成的下意识的习惯动作会慢慢变的模糊不准确,就有可能在演奏中造成失误,甚至会使音乐表现在缺乏有意识的训练中渐渐丧失细腻与鲜明,最终可能会失去艺术表现力。所以成熟作品尤其不能忽视慢速练习,特别是一首曲子练习的时间很长久时,一定要时常采用慢速练习来巩固手指技能形成的习惯性。当然慢速练习也不能时间过长,因为它会削弱注意力,所以在练习当中要有目的性的进行。
二、分解练习
学生在练习一首作品时,常常缺乏耐心,总是将曲子一遍一遍从头弹到尾,这种方式导致曲子练习再长时间也只是一个基本框架而无法取得更大的进步,所以我们需要采取分解练习。顾名思义,分解练习,就是将乐曲分解开来逐步有重点的进行练习。在钢琴练习中,常用的分解练习有以下几种:
1.分手练习。钢琴演奏中两只手担任不同声部也担负不同任务,例如不同的演奏方式,不同的力度,速度和音色的处理等等,这就需要两只手做不一致的演奏。而分手练习的目的就是为了减轻大脑负担,集中精力训练每一只手的练习,以提高练琴质量。所以任何乐曲在一开始都要进行分手练习,在乐曲成熟后也要不时穿插分手练习,以解决或提高各种技巧难度。对于担负不同演奏任务的两只手,给予更多的`分手练习才能更快的取得练习效果。
2.分声部练习。钢琴作品大多为多声部作品,其中包含复杂的演奏要求,例如巴赫复调作品里面,每个独立声部都有自己的演奏方式,力度要求或者音色处理。声部间既有横向的旋律关系又有纵向的和声对位,有时一个声部层次需要两只手配合进行,有时一只手同时演奏几个声部,有时不同声部需要不用的音色。所以要使每个声部都按其要求表达清晰,按照乐曲的不同声部划分出不同的旋律线条并逐一练习必不可少。不仅复调作品,主调作品中,也常常会出现一个声部中包含几个层次来丰富音乐,只有通过分声部练习,才能在头脑中对各声部层次的脉络清晰,才能更好的将各隐含的声部层次完美的衔接起来。
3.分句分段练习。大部分学生都习惯性的喜欢将曲子一遍一遍从头弹到尾,这样的练习方式难以得到真正的提高,因为从头至尾的练习不仅花费时间,对乐曲印象模糊,而且无数细节被忽略。所以要提高演奏水平,需要把乐曲分解成一块一块去练习。在识谱阶段,用分句分段的方法练习可以迅速对音乐旋律和手指动作产生记忆,能更快熟悉乐谱。在识谱完成后,耐心的一句一句仔细磨练,能更快提高整体演奏水平。所以只有真正注意每个细节,并经过反复练习将它表现出来,才算真正领悟到这首乐曲的内涵。
4.难点练习。在练习一首音乐作品中,我们总会遇到一些有难度的地方,这就需要我们把难点抽出来,重点,反复,耐心的练习,集中突击,直到克服才能融入到整首作品的演奏当中去。任何一个作品哪怕有一个难点没能克服,也会破坏乐曲的完整性和整体美,有的孩子一遇到难的小节就喜欢重新来,而不采取集中练习去突破,结果总是在同样的地方出错。所以我们在演奏中,需对自己要求严谨,任何不足的地方哪怕是一个音符我们都不能放过,都要耐心的由慢而快反复重点的进行突击练习。
三、有针对性的特殊练习
在演奏中,为了更完美的表现音乐作品,我们也会采取一些实用的,具有针对性的技巧练习,来提高自己的演奏水品。这样的练习非常广泛,并且需根据各人不同情况区别对待。以下我简单介绍几种运用较多的练习方式。
1.低指贴键练习。在快递进行部分,手指仅仅是灵活跑的快还不够,还需下键时控制好每一个手指,既要速度又要质量。这需要手指从琴键表面到键底这段距离内,只能依靠微小精确的动作,将每个音符弹的扎实有力均匀,手指一点都不能离开键盘,仅在键与键之间快速稳定的交替进行。要提高这项技能,可通过长时间的低指贴键练习,强化训练手指第一关节,以达到集中圆润的音色。
2.变速练习。在平时的基本练习中可增加变速练习,由慢到快或者由快到慢,快慢之间再多增加几种速度变化。持续这种练习,使各种变速手指都能控制自如,那么对于演奏中节奏稳定性的把握或者变速时手指技能的自然转换都有很大帮助。
3.不加踏板练习。在练习过程中,耳朵要仔细听辨每一个音符的音质,手指要不断感觉触键状态。这时候不加踏板,可以使每个音符的真正质量完全体现,这样耳朵才能准确的把握各种不同音色,通过音色调整触键感觉,或通过控制触键力度调整音色,提高演奏效果。
钢琴学习说到底就是坚持不懈的练习,即使掌握了各种演奏技巧还是需要不断练习来巩固,一旦停止练习,技术就会退步。冰冻三尺非一日之寒,想要获得深厚扎实的演奏水平只有锲而不舍持之以恒的刻苦练习。
参考书目:
《钢琴演奏之道》 赵晓生 世界图书出版公司 3月版
《钢琴演奏技巧》 约瑟夫.迦特 人民音乐出版社 8月版
《怎样提高钢琴演奏水平》 华乐出版社 205月版
篇9：浅析钢琴教学中指法的重要性论文
浅析钢琴教学中指法的重要性论文
摘 要：钢琴指法是最基本的钢琴技术,合理运用指法可以使每个手指都得到充分的锻炼,具有良好的独立性.指法是钢琴演奏技术的核心问题之一。科学合理的钢琴演奏指法能够获得好的演奏效果。不仅可以提高练习质量，还可以准确清晰地表达乐思，实现多样化的音乐表现。通过对演奏的技术性和音乐性两个角度进行分析，使我们清晰地认识到演奏中指法的重要性。
关键词：钢琴演奏 指法 技巧
一、手指技巧上对发音优美的要求
许多人认为钢琴家优美的发音来自天赋。的确，解剖学条件在很大的程度上影响着发音。收短小、壮实，可以比较容易地以重量补充来调节抗冲力。短手指比长手指能更完善地传递出手臂的力量，一次所奏出的音就能更响亮。
但是正确的教学方法却可以在某种程度上客服弹琴者不良的先天条件。可以做到使指尖全部传递出从第一关节所获得的挥动力，把手臂的重量补充完全传递给琴键。速度、节奏和力度的变化，以及自觉地运用上方泛音，都要求我们在使用手指时仿佛第一指骨能够支配指尖。在这种情况下手指的第一关节就能准确地规定力量以及挥动幅度的大小。第二和第三关节的工作有助于手指的统一动作，因为它们能使手指在其姿势发生微小变化时采取应有的形态。因此，要使挥动不掺有任何不必要的动作，即消极的弹奏、个别手指多余的伸屈，这是非常重要的。同样，把精力花费在消除手指的某些伴随动作上也是多余的。必须培养用指尖弹奏的准确感。但是，任何时候也不可强行规定手指究竟应该用什么地方触键。
手指的姿势随着黑白键的不同排列而发生变化。甚至在一个乐句之内伸屈的程度都应有所不同。手指极度弯曲时，触键的是指尖；出于伸直状态时用第一指骨的指肚。 指尖应沿着最短的路线到达琴键，不准有附加动作。在抬指时也同样不应该有多余的动作--手指应该沿着最单纯的路线重新回到弹奏状态中来。弹奏后不应该使手指在琴键上划过。也不需要第三和第二关节任何的补充伸屈。
在由于较高的弹奏造成减速时，基音的音量和上方泛音的音量都要增强。因而在慢速练习时我们的乐想只能部分地实现。但是即使在这时也必须要准确地制定出手指的活动方式。用消极的手指练习，“啪哒啪哒地敲”弊多利少，迟早要导致手指技巧的.破坏。相反，积极的手指工作却能达到异常迅速的效果。
二、培养手指技巧的联系
由第一关节完成的手指的积极工作，所产生的是自然的动作，因此在学习的初期通过简单的模仿就可以掌握这种动作。但是在较高的水平上，速度和力度都要求手指发挥更大的积极作用。为了保证手指工作的精确性，在许多情况下，下述专门的手指练习是有益的。
所以场合下的联系都要用练习操做好准备工作。在做准备工作时哪个练习操应该做的次数最多--这经常都是由休息状态中手指的形状所决定。第三和第二指骨僵直，就要求多做弯曲动作；手指弯曲，就应该多做旋转动作。这些练习的目的是为了能进行比较纯粹的比较猛烈的挥动。因为这时手臂不提供任何助力，在开始时可能发生这样的情况：琴键把手弹回。在练习自由挥动弹奏时，不可把在下面按键的任务自然而然地就可获得解决：挥动越准确，琴键下降就越深，而达到一定的深度以后，手指本身的重量就足以在下面保持住琴键--更准确些说是保持住上面的制音器。
把右手放在第二个八度的五音音列 C--G上。拇指轻轻着键，使琴键不致于被按压下去。余下的各指以伸张的状态触键。手臂“悬挂”在手指上空，不给与丝毫的重量补充。但如果手臂消极，松弛，练习就达不到目的。现在依次用二--五指做自用的挥动。手指应该自由的挥动，利用动作的全部可能性抬高到不费力就可达到的程度。挥动产生于第一关节。第二和第三关节不应该活动，它们的配合工作在这里是不需要的。抬高不是一个孤立的动作，而只是弹奏的准备阶段。假如设想是在敲一面大而重的锣，就有助于正确认识这种动作。手指应该模仿手臂的挥动，但动作不是来自肩关节，而是来自第一关节：击键应该犹如敲锣一样。每次挥动不应跟随过快。用一个手指弹击四、五次，然后再转到另一个手指。在整个挥动过程中--也就是在抬起和弹奏过程中，必须把力量集中在指尖。我们用伸直的手指，用手指肚弹奏，竭力使弹奏集中在一个点上，仿佛是用针或刺的尖扎似得。手臂自由地“悬挂着”，以经常不断的配合动作来协助手指。尽管手指的积极工作来自第一关节，但是我们应该感到我们的手指动作仿佛是直接“发自胸部”似得。个别手指的挥动，只有在其余各指不妨碍它时，才能真正地成为自由的、猛烈的。其余各指应该自由地陪伴进行挥动的手指。在弹奏时刻，陪伴的手指也随着落在琴键上，它们不应该停留在空间，也不应该按在琴键上。挥动是连贯完成的，不要有停顿。如果所有的挥动都是自由的，妥当的，所有的手指都能充分利用动作的可能性，那么就能准确地决定练习的速度。这种速度是比较慢的，但是在既定的速度之内手指的动作却不应该受到抑制。全部练习就是有一系列这样的自己挥动组成的。
所以说钢琴教学应该把指法指导放在钢琴教学的首位，才能保证钢琴教学的质量和学生整体素质的提高。
参考文献：
1、约瑟夫.迦特《钢琴演奏技巧》. 北京人民出版社 .1983.
2、魏廷格《钢琴学习指南》. 北京人民出版社. .
篇10：钢琴教学中练习法教学分析论文
钢琴教学中练习法教学分析论文
摘要：随着社会的不断发展，音乐教育已经受到越来越多人的重视。钢琴作为“音乐之王”受到更多人的喜爱，有越来越多的人参与到钢琴学习当中。学习需要从小抓起，钢琴的学习当然也需要从小学起。从小养成良好的学习钢琴习惯，在钢琴生涯中才能长久发展。
关键词：钢琴;儿童;教学
钢琴有助于大脑的开发，培养手指灵活性，提高人的审美，培养气质，导致很多家长从小就培养孩子学习钢琴，认为钢琴对孩子的智力以及未来有重要作用，从而进行盲目培养。盲目的选择，导致在孩子学习中暴露出很多问题，这些问题有待进一步解决。在钢琴学习中，教学方式和学习方法很重要，老师需要尽职尽责，而孩子要从小培养良好的学习习惯，从而更好的促进钢琴学习。
一、我国钢琴教育事业的现状分析
随着国家的不断改革与进步，国民的物质生活愈来愈好，文化素质越来越高，对精神文明的要求也在不断提升。因此钢琴由于自身特有的优越性，已经受到越来越多人的关注。钢琴可以不依靠其他任何一种音乐器作为辅佐进行演奏，它可以单独完成一首乐曲的演奏，并且表达出乐曲中丰富的情感。钢琴拥有多种音色，音域宽广，能表现出丰富的情感色彩。现如今孩子家长都开始注重对孩子音乐特长的培养，钢琴的学习可以培养儿童自身修养与音乐文化素养、开发儿童智力、锻炼儿童忍耐力与自信心的培养，还可以提高儿童的整体学习能力、培养儿童的音乐素质。所以愈来愈多的家长让孩子参与到钢琴学习中来。
二、钢琴教育事业中存在的问题
（一）老师教学水平良莠不齐
随着国家的不断发展，社会的不断进步，人们对音乐教育越来越看重，导致很多人从小就开始学习钢琴。想要学习钢琴的人日渐增多，对钢琴教师的需求也逐渐增加，但并不是每一个在钢琴事业上稍有建树的人都可以成为钢琴老师。由于近年来学习钢琴的人越来越多从而出现求过于供的现象，导致钢琴老师的教学水平良莠不齐，从而影响到学生钢琴道路的发展。
（二）教材内容有待提高
如今在钢琴教学中，注重的是对钢琴的训练。对钢琴的理论知识讲解少之又少，而且钢琴老师没有注重培养学生对钢琴的兴趣，如此培养的学生在钢琴事业上难以长久发展。而且在传授钢琴理论知识时，老师大多数使用的还是国外编排的教材，国内学者编排的知识几乎没有。国外编排的教材针对的是国外学生，它的内容不一定适合中国孩子学习，从而阻碍了学生钢琴道路的发展。
（三）老师没有良好教学方法
在学习钢琴时，钢琴教师需要根据每个学生自身不同的性格特点，采取不同的教学方式与方法。有很多钢琴教师思想观念老旧认为“严师出高徒”，在教学过程中严厉的对待每位学生，这样的教学方式虽然在一定程度上对儿童学习钢琴有帮助，但是也会造成很多学生失去信心并产生抗拒的心理。所以钢琴老师在教学中，需要把握每个学生的特点，从而对教学方式进行改变，如果没有正确的教学方法会导致儿童对学习钢琴失去热情。
（四）家长的从众心理
很多家长看到了钢琴事业的发展前景，让自家孩子自小去学习钢琴。无论孩子对钢琴是否感兴趣，有没有天分，就擅自为孩子报名，这些家长存在误区，认为只要投入大量的时间与金钱，孩子在钢琴事业中就一定会有发展。但无论学习什么都需要兴趣与天赋，钢琴学习更是。在学习钢琴中如果没有天赋与兴趣，那么学习钢琴时感受到的都将会是痛苦，学习道路势必艰难，这样的钢琴学习不会长久，不仅浪费了时间与金钱，也不利于孩子的健康发展。还有部分家长认为其他孩子学习钢琴，自家孩子不能比别人差，也需要学习，擅自为孩子报名学习钢琴，从而导致学生在钢琴学习中无法取得优异成绩。
三、如何正确练习钢琴的策略分析
（一）养成良好读谱习惯
从开始学习钢琴开始，就需要准确的记住钢琴的高音区、低音区、和弦把位等，而且需要准确识别乐谱中的拍号、谱号、调号和音符的音名、唱名、音乐表情记号、专业术语，以及分清楚乐谱曲式结构等。学生在学习初期就要对乐谱有一个准确且充分地了解，积极研究每一个作品的乐谱，对照乐谱不断进行严格认真地训练，直到对音乐作品完全熟悉。在研究乐谱时不断在其中发现作品的内在，发掘作家想要通过作品表达出的情感。当然在选择作品时也要遵循先易后难的规律，先学习弹奏简单的，再学习弹奏困难的，形成良好的读谱习惯，促进学生更好的学习钢琴。有很多学生是从小开始学习钢琴，所以需要从小就培养孩子良好的读谱习惯。如在学习“茉莉花”钢琴曲时，首先要分析这首曲子的曲式结构是否采用“A—B—A”三段式的曲式结构，还是与之稍有差别的其他曲式结构，进而可以研究乐曲的节奏与速度等，最后注意音色的处理与感情的表达。研究一首曲子可能一遍并不能有太大发现，不过没有关系，可以进行第二遍、第三遍的分析。俗话说“书读百遍，其义自见”，乐曲的研究也是同样道理，从小养成良好读谱习惯，从而促进未来更好的发展。
（二）准确掌握重点难点
在练琴时，要保证弹奏的精准性与完全性。不同的乐曲都有其不同的重点与难点，往往学生也会在重点、难点处犯错误。有很大一部分的学生在练琴时就是在不停的反复，毫无计划可言，如此在乐谱的重点、难点处弹得也差强人意，这样在整首乐曲的精准性与完整性上就会差很多。所以学生在进行钢琴训练时，需要单独把乐曲中的重点、难点拿出来单独练习，研究该怎样进行演奏。没有目的性的钢琴训练，不仅会丧失学生对钢琴的兴趣，还会导致其未来钢琴之路的`发展。所以在进行乐谱重点、难点研究时，不仅调动学生学习钢琴的积极性，还会使其对钢琴学习充满热情。例如在学习车尔尼作品299no.1时，要重点掌握好以下几点：1.音与音之间要均匀清晰、具有颗粒性。从开始就要明确手指的变动，及其独立灵活性。2.1指从3、4指下方穿过，或者3、4指从1指上方跨过时，要迅速敏捷，音量、音质必须是一致的，不冒重音。同时避免手臂、手腕的上下乱动，将力量完全放松、自然垂落。3.3、4、5指要做到能独立自由的运动，尤其注意天生能力较弱的4指和5指的音响的平衡。以上三点即使练习的重点也是技术难点，如果能够在练习过程中将问题解决的好，相信在演奏时就可以达到令人满意的效果。
（三）养成良好的练琴习惯
有一个由17位钢琴家参与完成的关于练琴的实验，实验内容是钢琴家们同一时间段练习同一首曲目然后打分，得分有高有低。在实验进行的过程中，研究人员发现练习时间的长短、反复练习的次数以及在练习时他们正确弹奏的次数和得分的高低没有关系，影响分值高低的因素有两个：一是练习时弹奏错误的次数出现越多，演奏的得分就越低；二是练习时正确弹奏的比列越高，得分越高。研究人员从3位得分最高的钢琴家的练习视频分析得出：
1.练习过程中很早就合手练习；
2.在练习开始即加入音乐元素，和技术一起练习；
3.有目的的练习：练习时经常停下看谱，哼唱一下，有时还用笔记在乐谱上；
4.预防错误的发生：在错误发生前即停止或放慢节奏；
5.发生错误后马上停下来改正；
6.每一个错和错误的源头都是很清楚的找出、反复修正；
7.节奏在练习中有系统变化，例如慢速练习，然后加快、提速；
8.即前面我们提到的重难点练习。
要反复练习每个难点，一直练到演奏中不会出现任何错误，而且不是一遍正确的就可以了，而是反复验证，确保再也没有错误出现了才可以继续向下弹奏、练习。从以上几点不难看出，练琴时需要耳朵、大脑、手、及其他身体部位同时工作并相互协调。尤其是需要大脑清晰地对自己进行指挥，做一名先知者。耳朵则需要认真倾听弹奏的乐句段落是否准确，做一名执行者，不断找出问题所在。并且在练习时精神集中，大脑保持冷静，冷静分析所练习的段落内容，这样才会演奏出美妙的音乐。同样的习惯适用于儿童练琴，作为教师更应该意识到好的练琴习惯对琴童在今后的学习中可以长久的发展。老师将练琴的规划与想法教给学生，帮助他们把握练琴的原则，合理安排练琴计划，明确目标，知道每天要做什么，进行什么样的训练，从而才会达到一个良好的练琴效果。例如，在正常上学期间，不能耽误学业，但是完成作业后再练琴时间可能会比较晚，影响邻居休息，所以练琴时间可以安排在放学后，在写作业之前安排一个小时或者两个小时进行钢琴练习。在周末，可以上午两小时做基本练习，下午两个小时可针对曲目中的重点、难点加强练习等。
四、结语
综上所述，在儿童的钢琴教学中还存在很多问题，这些问题都需要尽快解决。儿童在学习钢琴时候，需要有一个良好的学习习惯，制定科学系学习计划，切不可盲目的进行训练。从小打下一个良好的学习及基础，这样在以后的钢琴学习中才会取得更好的成绩，从而促使儿童在钢琴学习中有一个长久而良好的发展。
参考文献：
[1]李辰.幼儿钢琴教学中兴趣的提高和基本功的练习方法分析[J].北方音乐,,(14):121.
[2]秦亚洁.钢琴教学中的练习法教学探讨[J].齐齐哈尔师范高等专科学校学报,,(02):103-104.
篇11：在钢琴练习中如何提高听觉素质论文
在钢琴练习中如何提高听觉素质论文
摘要：提高钢琴作品演奏质量，加强自身听觉素质培养。从各方面加以理解分析，树立正确声音观念，并结合科学的技术训练，从多角度培养良好的听觉素质。
关键词：钢琴演奏；听觉素质；提高
音乐是听觉的艺术，要通过听觉器官来接受、欣赏和鉴别音乐。具备对音乐的敏感听觉，才能学好音乐。钢琴是表现音乐、抒发内心情感的一种媒介。爱因斯坦曾说过：“乐器在钢琴家想象力的驾驭下，可以创造千百种音响世界。”演奏者仅靠无拘束的想象是不够的，需要感性认识和理性分析。在钢琴练习中离不开主体听觉监控，以准确听觉判断去控制和校正演奏印象，凭听觉推测出一切发生的准确度，凭听觉去协调音与音之间相互关系，这都离不开敏锐的听觉和良好的音乐鉴赏力。技术训练和素质培养必须要同步，那么，钢琴练习中怎样提高演奏者听觉素质呢？
一、感受无穷尽的旋律
旋律是音乐的灵魂，是音乐进行的主导。起基础作用的主导旋律变成音调，形成具有特定旋律与特征的意义片段时，就成了旋律主题音调，并发挥着变化导向作用。决定音响运动的关键，在于音高关系。音高起伏与波动，形成了一定高或低、升或降、平直或曲折等变化多端的音响流动线。演奏者要感受这些旋律线的丰富变化，才能在音色处理中把握变化，用心体会旋律线条，感受其进行方向，处理强弱控制与起伏。根据旋律风格去感受音乐音色，用真诚体会去抒发内心情感，发挥音乐本质功效。任何音乐审美都缘自于原始的歌唱。演奏前，发挥想象力作用，创设完美声音意境；对旋律线条加以设计，构成初级印象。演奏抒情乐句如何把握音色控制，坚定旋律如何进行力量释放，都需要用听觉去评判，只有用听觉去感受无穷尽旋律，才能把最好的音乐奉献给观众。
二、感受复杂的节奏
节奏是音乐的时间形式，是音乐的骨架。音响长短时值与强弱等不同表现，形成旋律的节奏关系。要善于感受和理解节奏强弱力度、长短力度，以和谐有致的演奏去抒情达意。演奏者可根据本人理解，参照版本标记，对速度合理调整。对不同作品所处不同背景，采用贴切的速度体现。抓住节奏复杂多变的特点，体会强弱效果，适度表现。每个节奏型是一个独立个体，只有诸多个体连接在一起，才能形成整体。旋律要依附于节奏，不能离开这个音乐之“骨架”，“皮之不存，毛将焉附？”在练习中，把握音值长短和强弱、拍位律动规律、作品节奏特征与风格，运用长短、强弱、徐疾、张弛、动静对比等基本训练，挖掘音响节奏与肢体节奏通感，从而达到织体节奏与音乐审美融合，即具体与抽象的协调统一。
三、感受美妙的和声
和声是多声部旋律结构的有机构成体。和声有丰富的表现形态，要善于在多声部组合中明确自身声部位置，或主导，或辅助，创造有整体和声的和谐效果。和声感本身正是协调不同声部创造完美统一音响的重要心理素质。演奏不同和声，体会不同作曲家创作意图，弹奏出和声色彩变化。在练习中，用心体会和声进行，品味和声倾向性、旋律性、色彩性和立体感。要表现高音旋律部分，把它当作一组和声表层对待；借助和声表现印象与绘画的，要细致倾听和声色彩，创造独特和声与音乐结构体系。如：弹奏19世纪作品要倾听高声部中旋律线条，弹奏20世纪印象派作品时，感受其极富表现的和声色彩。技能方面通过调整重心、远近距离、前后支点等来把握和声。像德彪西说过：“我们期望的音乐，必须柔顺到足以是自己能适应从内心发出的、不受约束的抒情和梦境的幻想。”
四、感受丰富的音色
音色直译为声音的颜色与色彩。每件乐器有自己独特音色，同一乐器也能表现出不同音色。演奏者通过听觉器官感受音色，但往往有一定主观能动性。人们对各种音色分别注入了物化意想和感情色彩，并在审美经验基础上建立不同音色标准。不同颜色使人产生不同的联想和感觉，不同乐器让人产生不同色彩感和情绪。因此，要培养正确的音色审美观念。练习中，对音色的把握与处理尤为重要。如：手指触键速度快慢、高低不同的方法、深浅不一的力度演奏，都能使钢琴发出清亮、坚定，或雄壮、抒情、静谧的音色。练习者应该遵守作品内涵，发挥内心听觉，仔细揣摩，反复练习，最终得以合适地表达乐曲情感。可见，对音色的选择与应用不单是方法、技术和形式的问题，而是在一定审美理念指导下的有意识的创造性行为。
五、感受多声部的层次
乐曲多声部的层次，在整个乐器作品中出现几率非常大。所说的.层次，包括旋律曲调本身、和声整体效果、各个声部之间层次。如何培养正确声部审美观？一方面，培养主体内心听觉主动性，从练习第一个音就学会去听。把旋律本身和声分出层次，就像在聆听管旋乐作品中多乐器演奏一样，学会用不同乐器的音色来表现音乐，这样，整个作品才会表现得丰富与生动。最好在练习之前，通过联想和逻辑分析，构建完整知识框架，获得演奏中的丰富营养。针对多声部层次，尤指复调作品的演奏，层次感把握更为重要。在强调每个声部主题同时，不能忽视与其他声部对称。注意旋律层次感，使主题鲜明。保证主题线条鲜明的同时，要注意声部之间对称。做到这几点，手指要有很强的控制力和表现力，这些都要靠演奏者用听觉来感受、判断与调整。
总之，由于音乐时间性特性，只有通过表演才能得以存在。演奏者所创造音乐音响美感，必须和人自身审美听觉形成一种和谐、自然的关系。练习中要挖掘自己听觉机能潜力，捕捉每一个充满生命活力的音符，充分感受旋律与丰富情感之间的交融，树立正确审美观，培养直创声音音响效果的最理想的听觉素质。音乐听觉素质的提高是一个综合运动过程，也是作用于听觉器官的思维心理过程。完成这个过程，要求演奏者要有一个清醒的头脑，包括理性逻辑思维、直觉感官印象、科学练习方法、正确审美观念，当然，还要有对艺术执著追求的精神。
参考文献：
[1]周薇 《西方钢琴音乐史》
[2]王辉华 乔建中 《音乐学概论》
[5]张前 王次 《音乐美学基础》
[4]周铭孙 《钢琴艺术》
篇12：双钢琴演奏在钢琴教学中应用论文
双钢琴演奏在钢琴教学中应用论文
摘要：随着经济的发展，人类文明的进步，科技的不断的创新，越来越多的人开始重视自己的生活水平，生活水平的提升使得中国的综合国力有了很大的提升，在这个提议下，我们的生活不仅在物质上有了很大的提升，而且对于中国的青少年来说，他们的教育也必须要提升。钢琴本来是国外的学生必须要学习的知识和能力，但是对于中国的学生来说，他们的学习更需要学习国外的知识和能力，钢琴作为西方的乐器，可以让学生提升欣赏能力，让他们可以不断的提升自己的音乐的能力。让中国学生进行钢琴教学，也可以让学生更好的提升自己的能力，让自己的知识提升得更多，但是由于中国教学中存在一定的问题，不能让中国学生更好地进行钢琴学习，受到的教育也存在一定的不足之处，所以，对于钢琴的教学来说，必须要改变学习的方式，改变钢琴教学的模式，才可以让中国学生更好地学习钢琴。如今，最重要的一个钢琴教学运用就是双钢琴演奏的模式，所以，双钢琴演奏对于学生来说非常的重要，因此，本文就论双钢琴演奏在钢琴教学中的运用阐述了双钢琴演奏的演变过程，双钢琴演奏在钢琴教学中的意义与作用，双钢琴演奏在钢琴教学中的现状，双钢琴演奏在钢琴教学中需要遵守的特点，如何更好地进行双钢琴演奏在钢琴教学中发挥更大的作用。
关键词：双钢琴演奏;钢琴教学;运用
双钢琴教学对于双钢琴教学来说，就是运用两台钢琴，由两名或多名演奏者通过合作的形式来进行演奏。双钢琴演奏不仅是一种艺术演绎形式，同时也可以促进独奏者的全面发展，并作为一种常规的训练方式来提高钢琴教学。通过调查可以看出，双钢琴演奏形式是在16世纪末到17世纪初发展起来的，距今已有300多年的发展历史了。所以，对于学生来说，学习钢琴是多么的重要，对于学校和老师来说，具有一个更好的教学模式也是多么的重要。双钢琴演奏在钢琴教学中发挥着重要的作用，是学生学习钢琴的一个重要的进步途径，所以，本文阐述了双钢琴演奏在这个过程中的一些事项，以便可以让学生更好地进行学习，让学校和老师更好地教学。
一、双钢琴演奏的演变过程
双钢琴演奏经过了一个非常长的演变过程，让钢琴教学的模式更加的成熟，所以，我们必须要了解这个过程，才可以让学生更好地学习和进步，接下来就谈谈双钢琴演奏的演变过程。双钢琴的演奏从第一次登台亮相到现在一直为人们所津津乐道,近年来我国掀起了一阵双钢琴教学热,一些国内的钢琴家开始研究并创造关于双钢琴的演奏作品，在不断的研究创新中还取得了一定的成绩。这是钢琴刚刚进入到中国来的一个开端，也是钢琴学习的一个非常热门的时期。现在双钢琴的演奏已经被搬入音乐教程中，在学校内的音乐教学中会开设相关的课程教学，组织小组形式的课程教学，并专门设立了双钢琴教学室等，以便双钢琴教学在我国能够更为普遍和良好地进行发展。这个过程中，钢琴的教学已经非常的成熟了，双钢琴教学给学生带来了更大的好处，让学生可以不断的提升自己的能力，以便可以让学生更好地了解钢琴，了解双钢琴演奏的内涵。
二、双钢琴演奏在钢琴教学中的意义与作用
双钢琴演奏对于钢琴教学具有重要的意义与作用，可以让学生不断的提升自己的能力，提升自己的钢琴水平，接下来就谈谈双钢琴演奏在钢琴教学中的意义与作用。
（一）音乐素质在双钢琴教学中起到作用
音乐素质对于学生来说非常的重要，不管是对于钢琴的学习来说，还是对于其他的任何一个行业来说，想要提升学生的能力，素质的培养非常重要。钢琴的学习过程中，学生可以有利于提升自己的听力，可以提升自己的节奏感，让自己不断的提升自己，还可以让学生与学生之间增加更多的沟通，让学生与老师之间也可以增加更多的沟通。这样，不仅对于学生的钢琴学习来说具有重要的意义，对于学生其他的学习来说，也应该具有重要的意义与作用。
（二）教师教学的根本目的：课堂教育提高学生的音乐
素养和素质学生进行钢琴的学习，学习音乐的学生要求他们可以掌握更多的演奏的技能，让他们通过课堂的教育可以提升学生的音乐素质和他们的音乐素养。
（三）有利于培养学生高尚的品格，提升学生的对于音乐的欣赏能力和学习能力
对于学生来说，培养学生的高尚的品格，可以提升学生的对于音乐的欣赏能力和学习能力。当然了，培养学生的高尚的品格，需要学生更加努力的学习，才可以提升他们的能力，不然的话，就不能更好地进行钢琴的教学，学生也就不能更好地进行钢琴的学习。
三、双钢琴演奏在钢琴教学中的现状
双钢琴演奏在钢琴教学中虽然有很大的意义与作用，但是对于钢琴的教学来说，现状也是不容乐观的，存在一定的问题，钢琴教学中也不能提升学生的能力和知识，接下来就谈谈双钢琴演奏在钢琴教学中的`现状。
（一）教学方式单一化，仍然以传统教学方式为主
这是在钢琴教学中最主要的不足之处，对于学生来说，传统的学习可以让学生失去学习的兴趣，让学生不能更好地进行学习，不能让学生不断的进步和成长成为一个社会的接班人。从这个角度上来看，在我国，钢琴教学处于初级阶段，教学方式还是传统为主，一般是采用“老师教，学生学”的模式，学生在学习钢琴过程中，就会丧失掉兴趣，就会觉得枯燥无味。一对一的教学方式让学生感觉到了自己的压力，这样，更加不能好好的学习了，尤其是对于钢琴的学习来说，更应该要让学生自助的学习，但是钢琴如今的学习正好的避免了这个好处，存在这样的问题。
（二）老师能力的不足，导致了学生不能更好的学习
对于学生来说，老师是非常重要的引导者，老师的能力不足的话，就会让学生不能更好地进行下去。钢琴教学中，如果老师不了解双钢琴演奏中出现的问题或者应该要注意的事项，学生就不能很好地进行下去。
（三）在双钢琴整体的教学应用中仍然存在教学方法
不科学、教学教材不够严谨以及教学安排计划的不合理等问题双钢琴演奏的整体的教学应用中，由于教学方法的不科学性，导致了学生没能按照学校希望他们学习的方向进行学习。教学教材中存在着很多的问题，教学教材的不够严谨，不能让学生进行学习，对于学生的时间进行教学安排不合理，也是学生不能更好的进行双钢琴演奏的一个重要的问题。
四、提升双钢琴演奏在钢琴教学中的途径
对于双钢琴演奏来说，钢琴教学需要进行一些措施，才可以让教学更好地进行下去，才可以更好地提升学生的知识和能力，接下来就谈谈在双钢琴整体的教学应用中，仍然存在着教学方法不科学、教学教材不够严谨以及教学安排计划的不合理等问题。
（一）学生听觉能力的培养
双钢琴的演奏，演奏者演奏过程中，不仅要倾听自己声部的发音，也要倾听合作者的发音，要做到二者的融合，使二者的发音天然合成，这样才能彰显双钢琴演奏的魅力和特征。这样就需要演奏者具备过硬的素质。演奏者要使音乐充满敏感性，通过倾听，在演奏过程中，要时刻注意节奏的变化，要不断调整节奏，在调整中使演奏更加和谐和优美。在双钢琴中，声部有两个，一个是主奏，一个是伴奏，在学习过程中，要辨别声部，从合奏中去寻找自己的声部，这样才能让双钢琴发挥得淋漓尽致。
（二）提升老师的能力
老师需要提升自己的能力，才可以让学生更好地进行学习，所以，提升老师的能力非常的重要，学校也要对老师能力的提升引起足够的重视。当老师的能力不足以进行教学的过程中，需要学校给老师进行教学的培训，让老师的能力可以得到更好地提升。当然了，老师在教学中如果经常存在一定的问题，就需要学校对老师进行评估，如果老师不能胜任这个工作，就要对他们进行更加严格的裁决。
（三）学生之间合作交流
在练习中，演奏者要相互交融，做到合二为一，不能各管各的，不去考虑对方。在演奏中，要通过眼神、肢体语言等相互交流，使二者的演奏做到相互交融，这样才能提升演奏的整体效果。双钢琴演奏要求演奏者具备全面素质，把情感都融入到演奏中，使合作更加具有情感化。
总之，在钢琴教学中，通过运用双钢琴演奏，提升钢琴教学，使钢琴教学更加灵活和多样化，从而使钢琴教学更加有效，为国家和社会培养更多的优秀钢琴家。
参考文献：
[1]管芳芳,赵子琪.双钢琴教学法在钢琴教学中的应用[J].太原城市职业技术学院学报,,(09):146-147.
[2]施忠亮,王月翰.插上一双钢琴艺术研究的“隐形”翅膀———从“钢琴教师论文评选”说起[J].钢琴艺术,,(01):25-28.
[3]侯颖君,白彩蝶.论双钢琴与四手联弹在钢琴教学中的特殊意义(下)[J].钢琴艺术,,(03):18-22.
篇13：钢琴奏鸣曲在钢琴教学中的作用论文
钢琴奏鸣曲在钢琴教学中的作用论文
摘要:钢琴奏鸣曲起源于巴洛克晚期，是一种以钢琴独奏为基本表现的音乐体裁。经历古典主义、浪漫主义等时期的改良，时至今日，钢琴奏鸣曲已经成为了古典音乐的典范，它具有非常强的音乐表现力和艺术感染力。钢琴奏鸣曲在触键、踏板、速度、力度与音乐的表现力上都对钢琴教学有着重要的作用。这样的音乐体裁可以很好的提高学习者的钢琴演奏技巧和音乐表现力。所以，钢琴奏鸣曲往往成为了钢琴学习者有其是初学者的必修课。在钢琴演奏技术的同时，钢琴奏鸣曲还能很好的熏陶演奏者的钢琴艺术感，有了真实音乐表现方式，就如同掌握了开启钢琴演奏大门的钥匙。
关键词:钢琴奏鸣曲；艺术表现力；钢琴教学
一、钢琴奏鸣曲的起源发展及曲式结构与风格特点
（一）钢琴奏鸣曲的起源发展
奏鸣曲从简单意义上来讲是一种乐器音乐的写作和音乐表现方式，奏鸣曲一词来源于拉丁文中的sonare，也就是发出声响的意思。在西方音乐史当中，这种结构的曲式随着不同音乐时期的变革以及期间各个乐派的风格偏向，形成了独具特色的发展形势。奏鸣曲的曲式最早出现在巴洛克晚期，其后历经古典主义时期、浪漫主义时期，开始逐步发展和完善。直至进入20世纪，各式各类的乐器演奏奏鸣曲大量的出现，而其中钢琴奏鸣曲仍然占据着古典奏鸣曲的主要位置。意大利作曲家多梅尼科斯卡拉蒂(DominicoScarlatti)可以说是古钢琴奏鸣曲的创始人，他所创作的555首单乐章钢琴奏鸣曲在巴洛克晚期成为了键盘类奏鸣曲的主流。D.斯卡拉蒂为钢琴奏鸣曲日后的形成和确立打下了坚实的基础，他也被后世誉为“古奏鸣曲式之父”。古典主义时期可以说是奏鸣曲的鼎盛时期，这一时期音乐的创作风格以及音乐技巧都和巴洛克时期形成了非常强烈的发差和对比。由于启蒙运动的思想影响和人文理念深入，使得古典主义时期的作曲家开始使用单一简明的曲式机构进行创作，所以致使奏鸣曲曲式的结构在这一时期开始成形并且逐步确立起来。
（二）钢琴奏鸣曲的曲式结构与风格特点
关于奏鸣曲的曲式结构，在起源发展部分已经简单涉及了，其曲式的结构经过漫长的过程历经几代作曲家的改良。现在被规范的奏鸣曲曲式结构是由四个乐章组成，包括：第一乐章：快板乐章，奏鸣曲式；第二乐章：慢板，变奏曲式、复三或自由奏鸣曲式；第三乐章：小步舞曲或谐谑曲，复三段式；第四乐章：快板或急板，奏鸣曲式或回旋曲式。但有一些特殊的作品会根据自己的需要省略第一乐章或第二乐章，形成三乐章结构。我们今天所听到的钢琴奏鸣曲基本上都属于古典奏鸣曲，虽然与早期奏鸣曲有一些风格上的变化，但大致上保持了奏鸣曲一贯的特色。首先，我们知道钢琴奏鸣曲是独奏曲，这体现了突出钢琴简单质朴的一面，没有高低声部的.衬托，音乐基本为主调风格。其次，基于奏鸣曲结构之上，变化的拍子和再现回旋的表现方式。突出表现某一段落，而每次再现都有所不同，充分的引发听者的兴趣。第三点，奏鸣曲非常的注重钢琴技巧，例如在D.斯卡拉蒂的奏鸣曲中出现了有双手交叉、双手八度以及内音部的高度震音技巧，最后，奏鸣曲有非常好的音乐表现力，几乎大部分的奏鸣曲都是以明亮的大调进行，听起来非常的愉悦。例如莫扎特的奏鸣曲是最富有歌唱性的，是带有希望的，欢乐的歌唱的节奏。
二、钢琴教学中奏鸣曲的重要作用及意义
钢琴奏鸣曲在钢琴教学中是被应该最为广泛的钢琴体裁，奏鸣曲可以帮助演奏者提高钢琴演奏技巧以及音乐的表现力，同时钢琴奏鸣曲可以最大限度的开发演奏者钢琴演奏的潜力。
（一）钢琴奏鸣曲可以有效训练连奏、小连音线、断奏
在钢琴奏鸣曲中经常会出现两种连音的表现方式，连奏与小连音线。虽然较为相似，但也有一些区别。连奏是将一些音符连贯，圆润的弹奏出，构成一个乐句。连音的触键方式不是爆发式的快速弹奏。是熟练的缓慢触键。这种缓慢触键不是软绵绵的那种，而是训练有素的那种。其关键在于改变手指的触键部位，保持手指平直，用手指的指面部位柔软的触键。这样的触键方式是能演奏出柔和的富有歌唱性的声音。小连音线，又称为圆滑奏法，简单的来说是需要用指尖和手腕共同配合完成，以圆滑、连贯的方式演奏2个到4个用连音线连起来的音符。小连音线经常会与跳音一同出现，所以其奏法技巧是第一个音稍加以强调，力量稍微大一些，后面的音尽量的柔和轻巧些，有情感的进行，如果是后面的音值较短，就需要指尖稍微快速的离开。连奏和小连音线的可以很好的帮助训练演奏者的触键感觉，使演奏不再生硬，使音色更加的富有美的流动性。关于断奏，不止是奏鸣曲中有出现，在其他体裁中也有，但是因为奏鸣曲快板和慢板的交替进行，和一些连奏、小连音的出现，则对比凸显出断奏和跳音的明显特征。断奏是一种演奏含义，包括有跳音、顿音等演奏方式。跳音和顿音是运用手腕动作，手臂平稳，动作轻快灵敏，触键的力量要集中在指尖上，触键面积很小，一触即回，奏出轻快，富有跳动的节奏，同时对于触键速度上的要求要看整体奏鸣曲的拍子。断奏的使用可以增加乐曲的整体形象感，使风格上更加的明亮、活泼、愉快。这样的演奏同时也增加了作品的音乐表现力。
（二）钢琴奏鸣曲可以有效训练速度、力度
钢琴奏鸣曲的速度与力度，一直伴随着奏鸣曲发展被不停的讨论和研究。因为受到奏鸣曲独特曲式结构的影响，力度与速度的变化成为了奏鸣曲自身的一个标签。同时把握好乐曲的力度与速度成为了能否演奏好钢琴奏鸣曲的关键。首先对于速度来说，速度不统一就会损坏乐曲整体的音乐表现，虽然奏鸣曲是快板-慢板-小快板的结构，但不代表不是统一的速度。快板乐章中手指的快速持续的弹奏，是根本的保障。而到了慢板乐章时，演奏速度不要突然变慢，要根据速度记号去调整，每个手指触键发出清晰的声音。对于力度，其实是根据速度的变化去调整，只要速度运用的好，力度自热而然会被触键的感觉所影响，力度的自然化，是钢琴奏鸣曲最真实的表现。
（三）钢琴奏鸣曲可以提高音乐表现力
钢琴奏鸣曲的音乐表现力是非常强的，通过具有特色的曲式结构，快慢板结合的速度，和非常华丽的钢琴技巧，如人的情感表达以及美丽画面成像。钢琴奏鸣曲能够抓住听者的耳朵，充分的引发听者的情感共鸣。弹奏钢琴奏鸣曲对于演奏者来说具有特殊的意义，钢琴演奏，不单单是演奏钢琴技巧，还要表现其富含的艺术魅力。只是单纯的炫技是不能引发听者的共鸣的，音乐来源于生活，就要反映最真实的生活表象，只有赋予钢琴真实的表现力才能得到人们的认可。钢琴奏鸣曲是历经岁月洗礼，是非常成功的一种钢琴音乐体裁，历经几大音乐时期及无数优秀的作曲家的改良，至今仍旧占据着钢琴音乐中重要的一席。钢琴奏鸣曲富有极强的艺术表现力以及非常真实情感表达，它能表现出人的细腻情感，或是喜悦、或是悲伤，它能够给人最美的听觉享受和最绚丽的画面感，让听到的人深入其境。同时在钢琴的教学中，奏鸣曲能够很好的训练演奏者的钢琴演奏技巧，无论是从触键的感觉、速度、力度的把握上，还是乐曲的音乐表现和情感上等，可以帮助学习者迅速的提高，并且使其掌握音乐最真实的表现力。所以综上所述，钢琴奏鸣曲在钢琴教学中具有非常高比重，是不可或缺的，它可以使钢琴学习者更加全面的接触钢琴演奏，并且感受和学会钢琴演奏艺术。
参考文献:
[1]叶松荣.西方音乐史[M].高等教育出版社,.
[2]郑兴三.贝多芬钢琴奏鸣曲研究[M].厦门大学出版社,2003.
[3]郑兴三.海顿钢琴奏鸣曲研究[M].厦门大学出版社,2003.
[4]罗伯特泰希穆勒[德].莫扎特钢琴奏鸣曲集本[M].湖南文艺出版社,.
篇14：色彩在钢琴教学中的运用论文
色彩在钢琴教学中的运用论文
内容摘要：
钢琴演奏是高等师范院校的一门主要课程，同时，钢琴又是社会需求量最大的具有实用功能的一种乐器。如何进一步完善钢琴教学并提高学生钢琴演奏技能，是每一位钢琴教师的职责所在。
关 键 词：
色彩教学 钢琴演奏 立体感觉
学生在学习钢琴演奏过程中，由于受到内部与外部条件的影响，在演奏作品时往往追求大而响的声音，认为只有大而响的声音才是正确的，从而忽略了作品原本具有的风格和内涵。在高师钢琴教学课程中，钢琴演奏是一门主要课程，由于它在音乐教育中占有很重要的地位，笔者在色彩教学思想方面作了一些较深入的探索。
色彩教学的思想内涵
在现今的钢琴教学中，重技巧、轻音乐感觉的教学模式比比皆是。大多数情况下，学生拿到钢琴作业时，不是先去分析作品的创作背景、时代特色、音乐风格、作曲家的意图以及作品的和声、织体、曲式结构等一系列应当注意和研究的问题，而是急于完成作业，粗枝大叶、交差了事。这样一来，所完成的作业又有什么意义呢？也许有些作品如此弹奏不至于会破坏音乐作品的风格，而对于一些极富表现力的作品而言，如此弹奏则会破坏其作品的音乐风格。例如：根据我国古曲及传统乐曲改编的钢琴曲《夕阳箫鼓》，法国印象派作曲家德彪西的钢琴曲《月光》。这两首钢琴曲在音乐、色彩及诗情画意等方面有着异曲同工之妙。如果对上述音乐创作背景和它的文化内涵缺乏深入细致的体会，那就肯定弹奏不出乐曲的优美意境，弹奏不出乐曲的艺术色彩，因而乐曲的整体风格及其光彩之处便会遭到扭曲和破坏。
一般认为，色彩在美术领域中运用得较为广泛，而运用在音乐教学中则很少。实际上，音乐教学在许多方面是离不开美术的，古人云：“诗中有画，画中有诗”。“诗是有声画，画是无声诗。”诗、画、乐三者是相通的，音乐同样具有色彩美。那么音乐中的色彩到底是什么呢？让我们首先从美术色彩的三要素谈起。色彩是由多种颜色组成的，而任何颜色的组成都离不开色彩的色相、明度和纯度。在绘画中用光线来构成情调的重要方法是明暗调子。蓓蒂.L·施莱姆在其所著《绘画与光》这本书中指出：“如果我们用音乐世界中的乐器之王——钢琴来解释美术中色调的这个问题，那么，钢琴中的高音音域则相当于绘画中的亮色调，而钢琴中的低音音域则相当于绘画中的暗色调。当然，无论钢琴上的音阶还是色调中的层次都有属于中间的。”同样，钢琴在演奏作品时也应有明暗色彩上的变化。根据这种明暗色彩的理论，在音乐中表现明暗色彩的变化主要体现在力度与速度的变化及对比上。而将色彩学运用在音乐领域中的人物则是法国印象主义作曲家德彪西。德彪西在其作品中始终抓住了光线与色彩的瞬间感觉，将诗意、画面、乐思三者巧妙地结合在一起。
近年来，很多关于钢琴教学的文章都谈到在教学过程中要注重“音色、歌唱性”的弹奏方法，却忽略了色彩教学在钢琴教学中的运用。有时由于钢琴作品的风格及作曲家的创作意图的不同，因此便产生了不同性格的音乐作品。而色彩也同样具有各种各样的性格，例如：性格热烈的人喜欢红色，因为红色可以使人联想到太阳、火焰等，并给人以喜庆、热烈和吉祥的感受；性格开朗的人喜欢黄色，因为黄色给人以辉煌之感，并使人联想到黄金、阳光等；性格平和的人喜欢绿色，因为绿色给人以和平、安全之感，使人感觉到万事万物都充满了生机、青春和希望……因此，在钢琴教学中如果能够充分运用色彩教学，则会使学生加深记忆和理解，对正确演奏与处理钢琴作品将产生积极的影响。
色彩教学思想在钢琴教学中的具体体现
在我国古典音乐的宝库中，曾有这样一首曲目与印象主义音乐十分相似，这就是由黎英海根据一首琵琶曲《夕阳箫鼓》（又名《夕阳箫歌》、《浔阳琵琶》、《浔阳夜月》等）改编的钢琴曲《夕阳箫鼓》。《夕阳箫鼓》汲取了我国唐代诗人张若虚的诗歌《春江花月夜》中的美妙意境，融诗情、画意、哲理为一体，形象地刻画了夜色、月色、水色那美不胜收的美好景色。这首钢琴曲在保留原琵琶曲的风格基础上，运用了民族五声织体写法，四五度的空泛和声及琵琶、古筝等民族乐器演奏法的特点，以其优美而又空灵的音乐风格将我们带入一个纯净、美妙而又如诗如画的音乐世界里，以恬静的田园风光和深邃的诗歌意境，为我们展现了中国传统的美学思想。
在演奏这首作品时，教师应首先根据作品的内涵及中心思想给学生进行讲解。如在“引子”这一段，钢琴模拟江楼钟鼓，音乐的进行是在钢琴的低声区；而在力度上是一个mp的要求，由远而近、由弱到强逐渐过渡到钢琴的中声区、高声区。首先，主题的出现演奏了一段优美如歌、具有江南风格的主旋律，力度在mf—p之间，给人们展现出了一幅微波荡漾、轻风拂面、夕阳柔和、月上梢头的美好场景。其次，主题音调移高四度，自由模进使音乐有轻轻上升的动感，恰似月亮从江面上缓缓升起，流水荡漾，令人神采飞扬，神清气爽，给人一种登高远眺、联想无限之感。再次，钢琴再度模拟江楼钟鼓，顿挫有力的上行模进音型，力度、速度上的变化则给人以渔舟破水、浪花飞溅、掀起波澜、惊涛骇浪之感，并将音乐推向高潮。尾声的部分则给人以归舟远去、静寂无声之感。全曲令人回肠荡气，心旷神怡。此曲特别注意的是在演奏五声音阶的时候，由于此时的.音符是模仿古筝的音色，因此要注意色彩的运用。这是一种光与影的运用，力度上的变化要具有强烈的对比性。因此，在演奏这首作品时要尽可能地将音乐中的力度与美术中的白色、绿色、银色、灰色等色彩的性格和以上这些色彩在作品中的感觉运用到作品的弹奏过程中，并正确把握这些色彩在作品中的音乐感觉。上述诸多因素的综合运用，将会产生不同的声响效果与色彩特征，由此也会形成不同的演奏风格并产生特殊的音响效果。
又如《月光》这首小曲，是德彪西在1890年开始写作的钢琴组曲《贝加摩组曲》中的一首，由《前奏曲》、《小步舞曲》、《月光》和《巴斯比舞曲》等四首小曲组成。这一组曲直到1905年才出版，前后历时15年，可见这一组曲的写作经过了相当长时间的推敲。这一组曲不但旋律优美，而且运用了色彩极其丰富的和声，表明了德彪西已逐渐走向他自己所创立的印象派，是德彪西那独特的个性逐渐进入成熟时期的过渡性作品。组曲的曲名则来源于德彪西在意大利留学时对意大利北部贝加摩地区风景的感受和留下的深刻印象。《月光》是《贝加摩组曲》的第三曲，很有表情的行板，9/8拍子。它是德彪西的钢琴作品中最为大众化的一首，美丽的旋律暗示了对月光的印象，较弱和弦的反复出现更加深了这一印象，而速度轻快的琶音描写了月光闪烁的皎洁色彩，令人仿佛置身于晴朗而幽静的深夜氛围之中。
印象派画家所要捕捉的是光与影之间的感觉，而德彪西就像这些画家一样，他以音乐捕捉事物的印象或情绪，并且是用最简捷的方式将一瞬间所产生的某个音乐念头记录下来。德彪西可以说是一位革命性的音乐家。他创新和声与旋律，在他的音乐中，色彩、音色与节奏的重要性绝对不亚于和声与旋律。德彪西认为：“音乐因其本性使然，绝不可能被局限于传统与固定的形式中，音乐是颜色与韵律的组合。”正由于他所具有的得天独厚的音乐天赋，他才能创造出有音乐色彩的音乐。这种能力大半是天生的，很难用后天的训练培养。
虽然德彪西没有专业的钢琴技巧，但他却创作了大量的钢琴曲。敏锐的音乐感觉帮助他弥补了一切技术上的缺憾，从他指尖上流泻出来的音乐、和声和色彩简直就是一首首清丽、高雅而又富于动感的优美诗篇。尤其是这首《月光》，更是将色彩与音乐结合得完美无瑕。这首作品取材于法国象征派诗人魏伦的一首同名诗，并将诗篇中几位舞者的艺术形象复活在音乐作品中。钢琴的高超演奏充分地表现出舞者在美丽而又柔和的月光之下轻盈舞蹈的艺术形象，同时又通过音乐的塑造让我们感受到了舞者的舞姿所表现出的一种奇异而又神秘的色彩。音乐在开始进入时给人以非常安谧和静寂之感，使我们从中能够感受到大自然给人们带来的和谐与宁静之美。
音乐从第15小节之后，逐渐增强了力度与律动感，而传统式的分解和弦则为乐曲奠定了稳定的基础，同时在主旋律声部的下方不断地运动着。这其中还有中间声部起着点缀作用的音程，而运用钟铃声的原理则使一些浮动着的柔和泛音能够产生出如水面波光闪烁的音响效果。这样就使这部作品在音乐上既具有统一的风格，也同时具有了丰富多彩的色彩上的对比。在音乐旋律的引导下，听觉形象逐渐转化为视觉形象，听觉与视觉相互沟通、相互作用，在人们面前展现出一幅诗情画意、音响丰满、月光如水的立体画面。
运用色彩教学思想充分调动学生的潜在能力
可以这样说，美术的色彩表现在颜色上的运用，而音乐中的色彩则表现在力度与速度的变化上。在以上这两首钢琴曲的教学过程中，如果教师能够抓住色彩教学的思想内涵，那么将会产生出很好的教学效果。
在艺术表现形式上，钢琴是一种极富表现力的乐器，对于演奏者来说，这种艺术形式又是一种极富创造力的表演艺术。这就要求教师在教学过程中牢牢抓住这一特性，有目的地将色彩教学贯穿始终。这样才能使钢琴教学寻找到新的突破点，并针对学生在学习钢琴过程中缺乏想象力、没有色彩感的缺陷，加强其训练的力度与强度，让他们习惯在看乐谱的时候就养成伴随着色彩和想象力来阅读作品的习惯，从而使他们逐渐形成用丰富的画面和丰富的想象来演奏作品的能力。
这是可以做到的，因为每个正常人都具有这种生理和心理的潜力。佛家常说：“六根（眼、耳、鼻、舌、身、意）互用”，所以能“耳中见色，眼里闻声”，“耳目互治，以度众难”。恩格斯在《自然辩证法》中早就指出：“触觉和视觉是如此地互相补充，以至我们往往可以根据某一物的外形来预言它在触觉上的性质。”触觉和视觉是如此，听觉和视觉以及其他感觉系统之间也是如此。它们之间相互作用，可以帮助人们度过“众难”——排除或减弱各种感觉系统之间的障碍和局限，获得对世间万物的整体认识。例如：失明的人从鼓风机的声音，可以“看见”炉中的熊熊烈火；失聪的人从音乐师的动作，可以“听”出乐声的高低起伏。其实这种感觉现象并不奇怪，因为人的各种感觉神经系统及其在大脑中的相应的区域，不是孤立的封闭系统，而是彼此独立而又相互联系的整体系统。它们在感知外界事物时可以相互贯通、相互补充、相互诱发。当一种感觉功能发生了困难，另一种感觉功能就可以在一定限度内助它一臂之力。很多的例子可以证明这一点，那就是生理和心理是有一定的活动规律的，而当刺激物对器官的感受作用形成一个复杂的过程之后，这其中就关系着生理和心理之间的相互作用及反射的活动。教师的责任则是帮助学生在学习的过程中掌握这个规律，引导学生在学习的过程中自觉并熟练地运用这个规律，并调动起学生的内在学习潜力，完成听觉与视觉、音响与色彩之间的整体呈现。
任何一种演奏形式和演奏习惯都是不断培养和通过自我努力不断完善的过程。在教学过程中教师要有的放矢地进行教学，避免空洞的说教；学生则必须积极主动地与教师配合，而不应该只将自己当成一个什么都不懂的小学生，更不应该将老师当成一个陪练者来完成视谱工作。在教与学的过程中，教师首先要对作品进行深入细致的研究，对作品中具有色彩表现的地方要进行丰富多彩的、富有感性的讲解。这样就可使学生在理性认识的基础上逐渐加强和丰富自己的想象力，在钢琴演奏中表现出色彩绚丽的艺术世界。
参考文献：
[1]蓓蒂.L·施莱姆著，郑录高编译《绘画与光》，天津人民美术出版社，1983年3月
[2]石家泉著《色彩在室内设计中的作用》，原载于《艺术教育》，2005年第3期
[3]弗兰克·道斯著《德彪西的钢琴音乐》，人民音乐出版社，1985年4月
[4]朱秋华编著《德彪西》，东方出版社，1997年1月